Por siempre Elenísima

2016 fue el año de la conmemoración del natalicio número cien de Elena Garro, la dramaturga y cuentista mexicana pionera de las letras y literatura de su tiempo, cuya trascendencia impresa en el tan característico realismo mágico de sus escritos constituye una de sus grandes contribuciones. Tal como la describe el periodista Rafael Cabrera, “Elena Delfina Garro Navarro fue registrada el 7 de febrero de 1917, en la misma ciudad en que nació. Elena fue gachupina, hija de padre español y madre mexicana, y esa dualidad la marcaría toda su vida”. Oriunda de Puebla (11 de diciembre de 1916), Garro atesoró un sinnúmero de recuerdos de su infancia que posteriormente permearían la vastedad de su obra: guiones cinematográficos, cuentos, obras de teatro, novelas…  y fue con este género literario con el que se haría acreedora al premio Xavier Villaurrutia en 1964, con “Recuerdos del porvenir”.  Sobre ella, Olmos de Ita dirá que: “transitaba libremente entre géneros…apareció casi por generación espontánea en el teatro mexicano”. Esta breve incursión constituyó un momento clave pues “hasta la arrebatada aparición de Elena Garro, autores y directores de escena dominaban el teatro nacional…” continúa Olmos.

Ed. Dracena retiró el cintillo 

La controversia que acompañó a la figura de Elena Garro en vida también se ha hecho presente en este centenario de su nacimiento en el que diversas universidades, grupos e instituciones se han dado a la tarea de rendirle un merecido homenaje, con publicaciones, charlas y representaciones en torno a su obra. Tal es el ejemplo del cintillo que acompañó el libro “Recuento de personajes, de Elena Garro”, en el que se describe a la escritora como: “Mujer de Octavio Paz, amante de Bioy Casares, inspiradora de García Márquez y admirada por Borges”. Aunque luego de fuertes críticas, la editorial española ofreció una disculpa pública, invitando a las librerías a retirar la faja del libro, las reacciones en torno al acontecimiento no se hicieron esperar. Buzzfeed publicó una nota al respecto con cintillos similares para conocidos autores a fin de dimensionar la gravedad del asunto: “Inspirados en el cintillo ese de Elena Garro, decidimos hacer nuestras propias versiones. Sartre, conoce al amante de Simone de Beauvoir; Jorge Luis Borges, batedo por muchas. Esposo de Maria Kodama, escritora, traductora y profesora de literatura argentina; Ted Hugnes, el poeta que se casó con Silvia Plath…”

Otra polémica en torno a la autora se suscitó por un rompimiento al acuerdo editorial para la aparición de Elena Garro en la portada de la publicación de la revista Tierra Adentro. Ante esta negativa se elaboró una solicitud al entonces secretario de cultura Rafael Tovar y de Teresa, a la que se sumarían organizaciones e individuos.  La petición puntualizó que “desde hace once años, tras 21 dosieres dedicados a escritores, este es el primero que la revista Tierra Adentro dedica a una escritora”. La solicitación puntualizó además que ni siquiera Elena Poniatowska haya contado con un número especial en esta revista, a pesar de que los cinco mexicanos que como ella, obtuviesen el Premio Cervantes, gozaran de una edición en su honor. ¿Sesgo de género? Al final se respetó el acuerdo pactado. La revista numero 219 salió a la luz, con el encabezado “La vida empieza a los cien” y una imagen de Garro, además de artículos con un grupo de especialistas - Enrique Olmos de Ita, Rafael Cabreara, Conrado J. Aranz, María Fernanda Ampuero, Marcela Magdaleno, Guillermo Espinoza Estrada, Liliana Pedroza, Lucía Melgar y Eve Gil -, quienes abordan la diversidad de obra de Garro.

Semejante a la fama de otras artistas, la vida personal escritos de Garro tomaron tono al lado de adjetivos aciagos. Al respecto Liliana Pedroza, investigadora del cuento mexicano escrito por mujeres comenta: “El problema no es que el carácter o la condición de estas mujeres artistas haya sido así – refiriéndose a los calificativos vejatorios con los que se les enlaza -, si no que eso las defina y sea el único prisma con que se trate de entender su vida y su obra. Elena Garro no fue la excepción”.  Harían falta una gran cantidad de palabras para describir por completo a la escritora, luchadora social, mujer con autenticidad y a su legado. Su obra la coloca como un referente ineludible de la literatura Latinoamericana. 

"Ándele, ¿qué se siente?" Emu/Buzzfeed

 "Ay, pobre Borges, lo que tenía de genio lo tenía de feo". 
Alianza / BuzzFeed

DeBolsillo / BuzzFeed

Así serían los libros si las editoriales hablaran de los hombres como hablan de las mujeres

¿Quién le teme a Elena Garro?

Dossier dedicado a Elena Garro en la revista 

Tierra Adentro (Fotografías de Laura Doci)

Loop It All

Quiero pensar que quienes han sido participes de una puesta en escena han recurrido a la herramienta - en ocasiones tortuosa -, del ensayo previo, como un proceso lleno de vicisitudes - y realizado incluso después de un estreno -. Ensayar es una medida necesaria, pues es a base de repetición como se logran imprimir una serie de sensaciones que aunados al resto de elementos visuales y auditivos logran comunicación con el espectador. Sin embargo, este proceso genera con frecuencia, cierta clase de tedio y cansancio haciendo que improvisaciones valiosas se pierdan durante el transcurso de sus sesiones al no ser retenidas.

“Loop it All”, un método de improvisación y creación de movimiento, fundado por el costarricense César Alvarado, que tomando como punto de partida el dibujo, utiliza la imaginación, ideas, personalidad, memoria y corporeidad de cada persona

Cesar Alvarado, 

creador de Loop It All

para desarrollar un lenguaje corporal aplicable a la escena. Es una técnica creada con la premisa de retomar improvisaciones con la misma fuerza y frescura con que fueron creadas. ¿Es posible encontrar motivación escénica tomando como punto de partida una pared u otro objeto inanimado? Para Alvarado lo es al observar los detalles: color, material, tamaño, textura, sonido y concepto del objeto en cuestión, pues se “trabaja” con el objeto hasta que cuente una historia. “…abrimos los ojos y ya no es tan abstracto o absurdo, (el objeto) me está hablando, diciendo cosas”. Cualquier cosa que un intérprete vea puede convertirse en detonante para contar una o más historias. La aplicación de esta técnica parte de la propia fisionomía del interprete como instrumento y de su habilidad de archivar exploraciones de movimiento.

Loop It All detalla un proceso de exploración de espacios en donde un personaje entra a un espacio “tomando” con los movimientos de su cuerpo objetos visibles que están a la vista hasta transformarlos, pero “para comprender, hay que estar afilados dirá el creador de esta técnica. Una improvisación puede ser retomada rescatando los mejores momentos, que no solo se repiten, sino que puede convertirse en un diseño mucho más complejo que retiene imágenes y comunica, pues es posible atrapar a la audiencia sin meses de ensayo, con solo abordar el movimiento de una manera creativa. César Alvarado Vega es músico, actor y bailarín profesional, egresado del Conservatorio El Barco y actual director artístico de la compañía Lo que es arriba, una agrupación independiente de arte escénico que desde el año 2010, desarrolla obras de carácter multidisciplinario e imparte talleres sobre esta técnica en diferentes países.

Pastorelas, una tradición vigente

Pastorela en Tepozotlan

Teniendo como antecedente a la novela Pastoril, conserva elementos de este género en boga durante el renacimiento en Italia. Pico de Mirandelo fué Uno de los escritores destacados de esta novela basada en un lugar idílico y bucólico llamado La Arcadia, en el que habitaban pastores, personajes representativos un estado de gracia, absoluta pureza e inocencia quienes además interactuaban alrededor de pequeñas intrigas amorosas.

Las primeras pastorelas presentadas en México suceden durante el período de evangelización tomando a los pastores como ejemplos de pureza, quienes avisados por una visión angélica del nacimiento del Mesías deciden ir a conocerle y adorarle, objetivo saboteado constantemente por asechanzas de Satanás, que se opone a que el Niño-Dios reciba la adoración de la humanidad. La tesis es que si el niño no es adorado, no será reconocido para cumplir con su cometido redentor. Tras muchas fatigas y desencuentros los pastores lograrán su cometido: reconocen y adoran al niño, y Satanás queda derrotado.

No obstante de su función primordial edificadora, el público pronto adopta la pastorela incorporando a textos originales, críticas sobre usos y costumbres de los pueblo, aprovechando con ello la humanidad de los personajes que poco a poco se van transformando en prototipos de determinadas miserias humanas.  Bato se convierte en el prototipo de macho novo hispano;  Bartolo en la encarnación de la pereza -“…Bartolo, despierta, vamos a ver la Gloria. Bartolo (despertando): Si quiere la Gloria verme, que venga la Gloria a mi.”-; Selfa, en la pastora coqueta; Gila, en una persona – hombre o mujer - bondadosa e inocente; y Mengo, quien es representado como el “cornudo”. Existe además el agregado de un personaje incorruptible en la figura de un anciano ermitaño que funge como la conciencia colectiva, una especie de narrador o coro griego. 

Así, los grupos de pastorelas surgen en las vecindades, como tradición familiar, en gremios y hasta por cómicos de la lengua en la misma calle, lejos ya de la pastorela evangelizadora que se representa en los atrios y de la encorsetada pastorela bucólica neoclásica presentada en teatros. Esta apropiación de la pastorela contribuye en gran medida a la popularidad que le distingue al valerse de sus personajes para lanzar todo tipo de críticas políticas y sociales, como al personaje de Lucifer representando a alguna figura política en turno, haciendo con ello que la pastorela asegurara su subsistencia duradera durante los siglos XIX y XX. Algunos autores consideran que si la pastorela hubiese quedado para siempre como un genero de catequesis no hubiera sobrevivido al siglo XVI y es a partir de fines del siglo XVIII e inicios del XIX cuando la pastorela se consagra, a opinión de algunos autores, como un género teatral, teniendo de exponentes Novo hispanos, neoclásicos como Joaquín Fernández de Lizardi - el Periquillo Sarmiento -. No todos los textos se encuentran documentados, sin embargo, la tradición oral ha preservado diálogos y canciones de este género que ha logrado permanencia en el tiempo tan particular como llena  transformaciones que lo convierten en  una tradición.

Don Juan

Uno de los personajes de la literatura más conocidos es sin duda alguna el de “Don Juan”, su historia ha atraído a poetas, músicos, artistas gráficos, cineastas  dramaturgos y artistas de todo el mundo. Tan sólo en México, “Don Juan Tenorio”, la versión de José Zorrilla, estrenada en nuestro país durante el Imperio de Maximiliano ha sido aplaudida durante más de ciento cincuenta años; es una de las piezas en lengua española más representadas… y su éxito continúa.

Jhony Deep en Don Juan Di Marco

La legendaria figura de Don Juan es un todo un ícono, que se desplaza de películas a tiras cómicas, de poemas a telenovelas, de óperas a musicales. No solo ha inspirado el trabajo de artistas, sino que tiene una conexión palpable  en la cultura popular mediante un conocido uso del nombre de Don Juan como adjetivo y símbolo inequívoco del hombre libertino o burlador, al que la Real Academia de la Lengua Española define como un sinónimo de seductor de mujeres.

¿De dónde proviene este afamado ficticio cuya connotación ha trascendido no sólo en el tiempo sino los cánones estéticos del arte? Aunque existen versiones antiguas como la de Andrés de Claramonte y Corroy, Tan largo me lo fiáis, (1614 -1617), la concepción popular de este personaje se atribuye a Tirso de Molina con El burlador de Sevilla y Convidado de Piedra, en 1630. Otras afamadas versiones vendrían después:  No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague, (Antonio de Zamora, 1713); Don Juan o el invitado de piedra (Moliere, 1665); Don Giovanni, (Mozart, 1787) y el conocido texto Don Juan Tenorio, de José Zorrilla, además de El Don Juan triunfante, una ópera imaginaria escrita por el protagonista de El fantasma de la ópera en el musical de Andrew Lloyd Webber.

Hay quienes afirman que este personaje de fama internacional no fue creado por  Molina, Pushkin, Bayron u otro escritor, sino que se conocía desde hacía tiempo en Europa como una leyenda. Sea cual fuese su origen, lo cierto es que la historia de Don Juan cuenta con más de cien variantes en la literatura de diversas lenguas.

80º aniversario de Barba

“El problema real no es aprender, sino aprender a desaprender” Con estas palabras, Eugenio Barba, recibiría en 2014, su más reciente doctorado honoris causa, - de los que suman ya casi una docena –.  Y este año, el aclamado autor y director de teatro italiano está de plácemes por su reciente cumpleaños número 80 para el cual convocó a la comunidad local e internacional a una fiesta que tuvo lugar en Dinamarca a finales del mes de Octubre.  

Barba inició sus estudios en literatura noruega y francesa en la Universidad de Oslo, para luego trasladarse a Polonia con la intención de estudiar dirección en la Escuela Estatal de Teatro de Varsovia, objetivo que dejo de lado con su ingreso en el Teatro de las 13 filas, dirigido por Jerzy Grotowski, en la ciudad de Opole, al sur de Polonia, en el que permanecería por tres años.

Impedido para trabajar como director por su condición como extranjero en Oslo, Noruega, Barba funda  el Odin Teatret con un pequeño grupo de jóvenes que no habían sido aceptados en la Escuela Estatal de Teatro. La base principal de entrenamiento de este grupo recae en ejercicios físicos y vocales; luego de dos años de su creación, el municipio de Holstebro en Dinamarca ofreció una granja y un pequeño apoyo económico para crear ahí un teatro-laboratorio, - el Teatro Laboratorio Nórdico - en el que Barba y su equipo  han permanecido desde entonces. Es en Holstebro donde Barba apertura también un nuevo campo de estudio con la Escuela Internacional de Teatro Antropológico, ISTA. Sus ensayos, en ocasiones escritos para los asistentes a un evento en particular, han tomado el peso de manifiestos para la comunidad teatral de todo el orbe.

Junto con su compañía, el Odin Teatret y el conjunto intercultural Theatrum Mundi Ensemble, ha dirigido 76 producciones en los últimos cincuenta años. Barba es además, miembro del consejo editorial de revistas especializadas  en teatro en diversos países y autor de numerosos ensayos y libros, entre los que destaca: En busca del teatro perdido, el primer libro sobre Grotowski, publicado en Italia y Hungría en 1965.

La sugerencia de regalo con motivo del festejo fue la de realizar aportaciones económicas que serán utilizadas en las actividades culturales del Centro de refugiados que conducen el cuerpo de voluntarios en Holstelbro. Desde 1974, tanto Barba como el Odin Teatret han estado presentes en diferentes contextos sociales, incluido este fenómeno de los desplazados tan palpable en los últimos años.

Eugene Ionesco

Cuando nací, yo tenía casi catorce años de edad. Es por eso que yo era capaz de entender más fácilmente que la mayoría de los que estaban a punto de hacerlo – (Ionesco en) Jack-

Aún recuerdo a un par de amigos esperándome a la salida del teatro al finalizar una función. Sus caras reflejaban una cierta mezcla de exaltación y de asombro ante la función de teatro que acababan de presenciar y que sobrepasaba todas sus expectativas. Se trataba de La cantante calva, la primera y una de las más conocidas obras escrita por Eugene Ionesco.

Con la decisión de aprender otro idioma, el dramaturgo Franco-Rumano se encontró memorizando

Sra. y Sr. Smith (Mayra Gallardo y Carlos Robles)

frases largas de texto. Si bien la repetición de palabras hilvanadas quedó lejos de hacerle hablar con prontitud la nueva lengua, releerlas una y otra vez lo llevo a detenerse en ellas. Que el techo está arriba y el suelo abajo, o en que los meses del año fuesen doce, eran todas obviedades, pero a la vez aparecían como verdades indiscutibles que llevarían al autor a vaciar su experiencia de reencuentro con el lenguaje en los personajes de una obra de teatro. "Un extraño fenómeno tuvo lugar. - comenta Ionesco - No sé cómo el texto comenzó a cambiar de manera imperceptible ante mis ojos. Los enunciados más simples e iluminadamente claros que había copiado tan diligentemente en mi cuaderno, abandonados a sí mismos, fermentado después de un tiempo, perdieron su identidad original, se expandieron y se desbordaron. Los clichés y necedades de la primera conversación, que alguna vez habían tenido sentido... dieron paso a pseudo-clichés y a lugares pseudo-comunes; éstos se desintegraron en la caricatura y parodia salvaje, y el idioma final se desintegró en fragmentos inconexos de las palabras".

Jaime Marizcal, interpreta El Bombero

Escrita en 1948  y estrenada dos años más tarde, La cantante calva quedó lejos de elementos característicos del teatro como el argumento lógico y el desarrollo de personajes. Enmarcando una especie de teatro anárquico, las comedias de Ionesco causaron cierta controversia que le señalaba como un enemigo del realismo del teatro, cosa que lo llevo a escribir a sus críticos explicando que sus obras intentaban revitalizar una forma de comunicación, renovando el lenguaje al tratar de decir cosas de una manera nueva.  El año 1962, sería un período decisivo para Ionesco, pues a doce años del estreno de su primera obra, sería identificado por Martin Esslin como uno de los principales exponentes de lo que el mismo nombraría teatro del absurdo…[que] consiste en expresar el sentido del sinsentido de la condición humana, así como lo inútil del pensamiento racional proponiendo un abandono absoluto de la razón”.

El nuevo término acuñado por Esslin permeo a un mundo en recuperación de posguerra. Para el público esta etiqueta de Ionesco es aún imborrable junto a otros autores “absurdos”, como Samuel Beckett, Jean Genet y  Harold Pinter, quienes adoptaron un nuevo tipo diálogo y de ritmo desafiando el estatus-quo teatral y sus principales postulados de imagen y de narrativa.  

Puesta en escena de Mario H. Chávez (Karyna Rascón, José Morales y Yadira Banda)

APTF: La historia en busca de una audiencia

Constituida hace ocho años con la finalidad de fomentar las prácticas de marionetas en el mundo árabe, la Fundación Teatro de marionetas Árabe, APTF, es un organismo sin fines de lucro que no solo crea espectáculos de títeres sino cuenta con una iniciativa de enseñanza en el uso de marionetas que va métodos relacionados con la fabricación, el rendimiento y el uso de las marionetas en una escuela con sede en Beirut, Líbano que atiende tanto a novels como a artistas experimentados.

Bajo la dirección de su fundador y director artístico Mahmoud Al-Hourari, APTF trabaja con diversidad de organizaciones que fusionan disciplinas artísticas para promover cuestiones sociales y de derechos humanos. Ejemplo de ello es una película en la que se narran experiencias de acoso hacia mujeres en calles árabes, realizada durante 2013, que contó además con impresión de material literario por la misma compañía.

La fundación cuenta además con su propio teatro, que aunado a la escuela de titiriteros, reactiva la tradición en las marionetas árabes en especial entre los jóvenes, realizando estancias y exponiendo proyectos de creación artística, social, rehabilitación y educativa. Sus residencias que abarcan tanto a los títeres de guante como a los de grandes dimensiones, teatro de sombras y espectáculos ambulantes han recibido a cantantes, enfermeros, psicólogos, terapeutas, abogados, educadores, astrónomos, químicos, periodistas y una variedad de personas que comparten el interés común en el arte de los títeres.

Aunque el  trabajo de con personas refugiadas de diversas comunidades que se encuentran en el Líbano cuenta con varios años de experiencia, recientemente han tomado una mayor visibilidad en los medios internacionales, debido a su más reciente espectáculo que se presenta en Londres bajo el título: La historia que necesita urgentemente de una audiencia (A Performance Desperately in Need of an Audience), en la que se narran las causas que obligan a  personas a tomar la determinación de dejar sus lugares de origen y convertirse en desplazados. El espectáculo utiliza  música tradicional, explosiones, silbidos y material de suma fragilidad como cartón y plástico, en clara alusión a las condiciones de vida de miles de refugiados en la actualidad; emplean, como ellos mismos describen el humor, la ligereza, la magia, la alegría y la sátira para considerar – el tema-, más allá de lo puramente trágico o dramático. De este modo, los horrores del exilio se hacen más accesibles al tacto.