Nije niwima echi. Réquiem por un maestro, a un año de su partida.

Homenaje al maestro en el congreso del estado Me hubiera gustado trabajar más tiempo con el profe Pepe. Tengo la impresión de que disfrutaba el arte por cuanto conocía de el. Desde muy joven se mudó a Chihuahua para continuar sus estudios, pero tuvo la decisión de dedicar su tiempo libre a tomar clases de danza con el maestro Sergio Franco. Fue este quien lo encaminó a hurgar en libros los períodos históricos del arte y plasmar sus investigaciones en bocetos que más tarde se convertirían en vestuarios para todo tipo de espectáculos, algunos de los cuales llego a confeccionar el mismo cuidando cada detalle.   Era un erudito. Sabía los pormenores de cada época histórica de los montajes en que participaba: colores, texturas, formas, estilos... por eso rasgo un vestido de arriba abajo, luego de que una actriz lo mandar arreglar para usarlo con un escote – a su ver - más favorecedor. Cosa interesante que el único reconocimiento que obtuvo esa obra fuese en vestuario, con un premio nacional. Pero José Pérez no solo sabía de telas, colores y encajes, sus conocimientos no se limitaron a la danza, el teatro o las artes plásticas, aunque también obtuvo un premio nacional en dramaturgia. De forma constante leía y viajaba presenciando espectáculos de cada disciplina artística. Tal vez de ahí nació su amor por las artes, o quizá fue su espíritu investigador el que lo instó a aprender para luego derramar el conocimiento sobre las aulas a manos llenas. Creo que no volví a mirar un edificio igual después de su encargo, al finalizar una clase de historia del arte, de observar la arquitectura con más detalle. Y viendo la Quinta Gameros, me cuesta imaginar las condiciones adversas en que se encontrara antes de que Pérez solicitara delimitar el recinto para actividades culturales. Influencia de muchos, un sinfín de creadores se abrieron horizontes por instancia del maestro. Con su partida deja el hueco profundo de una vida llena de memorias.  Tengo su recuerdo vívido cantando y componiendo letras de canciones para teatro en un dos por tres ante el asombro de los presentes. Solo hacía algunas preguntas concretas para determinar el tiempo, características e incluso el tono y tempo de su composición.  Me parece que nunca he visto a nadie crear una canción en tan solo un par de minutos y lanzarla al aire, con rima incluida.  Mi nombre es cacofónico: Pepe Pérez, pero así me llamo, ¿qué puedo hacer?–solía decir-.  Descanse en paz el maestro, amigo y mentor.

We janilisa júwili ni che nochasa echi yoa bineriame Pepe.  Riweame yó a nije maye we jaleli arte we be machili echi jiti nochía pee towí ka nawalí je naí Chihuahua binesía, japi alí ke bineri ko pe owiya bineli a bilecho bineriami ya’a riweami Sergio Franco. Japí na bineriami iwiroli ruyea oserí chu rika niili álí niwali wika namuti mapu rika sipucha bineli suwaba we semati miíma.       Bile (sabio) gará machíami erudito. Niíle we a la machili chu rika niili echi nochalí a la machili chu yerí niíli suwaba, a li bile nochami nuleli newanila jite we bayóami niima echi binoí a lí pe ke jaleli echi jorecho valamali ko, pe a niyurili bile premio nacional. Autor: Ricardo Santos Najo echí José Pérez pe ke echí bi machili niwaya. Abi yenacho wika namuti mapa lika chini sawaba colores we bayóame machili ayenacho awiya teatro, a lí yókitame aneliame abiyenacho niyurali bile premio nacional ami na teatro oseríhuarachi aneliachí pe amina we eyenami nili echi rejoi we kaniili ínea awiami a binoi ko we jaleli jití jití we kaniili cho echo ná nochía pe chona jonasa ma ke che sine riwaki echi bineriami ali a la inesa Quinta Gameros, keni cho bichiwa chu rika wilili echi ipoli pe chavee mapu alíe chi bineriame Pérez ke cho nawachi echono nachasia, wika niili ralamuli we niwami japu nikurilí mapu a lí nawalí echí Pérez. Ma ku simili echi bineriami a beni we ni ómona iyena nije we be ni niwe echí bineríami a wika namutí riwesa a li binerisa ku natajelí a binoí nataka a wikaraa. A lí we jaleli wika ralamuli abigenacho naralí chu rika bineli echi rika wikaroa a bela we simati wikaraa. Ke riwe cacofónico Pepé Pérez echi rika ni riwe nije chu che isima ole echirika  ju nije riwala je ani echi wikaraami pe ku isabí kiri bineriami, amígohua, a li nikurami.

Diez años y contando

      Con un creciente gusto por la narración de historias desarrollado desde los primeros ambientes escolares, Iván Elier incursionó en lo que más adelante se convertiría en su profesión: la narración oral. Y es con este arte sobre la escena, que presentó en días recientes “Diez años y contando”, un espectáculo con el que celebró en compañía de la audiencia su primera década en el arte de contar historias.

Originario de Torreón, Coahuila, se mudo a esta ciudad persiguiendo su sueño de ser actor. Fue como egresado de una carrera en teatro que retomaría su búsqueda sobre el papel que deseaba desempeñar en la escena, pues es un artista ampliamente conocido por sus múltiples trabajos como escenógrafo, que lo mismo interpreta que produce. “Vivo para el escenario, pero si me preguntan cuál es el lenguaje que más me gusta usar es el de la narrativa oral, definitivamente”.  

Sobre las diferencias entre actores y cuenta cuentos señala como cosa común que en el norte de México sean vistos como un mismo oficio y que, aunque ambas profesiones comunican utilizan un lenguaje y herramientas distintas, pues mientras un actor utiliza a un personaje, el narrador lo hace desde su propia persona.

Siempre accesible y modesto, Elier también comparte sus conocimientos en talleres pues considera que cualquier persona con un interés genuino puede formarse para narrar. “Lo hacemos a diario… en la conversación está la narración escénica… la palabra cautivar, en mi búsqueda personal, está presente”.  Iván ha sido premiado en certámenes dentro y fuera del país y cuenta con una página electrónica en la que es posible hacer contrataciones y ver una muestra de sus trabajos: imaginemosjuntos.com

imaginemosjuntos.com

Strongylus, compañía clown

Inmerso desde casa en las manifestaciones culturales Javier López Ríos se matriculó en la carrera de arquitectura en la universidad de Guanajuato, en donde la riqueza y variedad artística de la ciudad pronto lo llevarían a ingresar al laboratorio de pantomima universitario, dirigido por Juan José Prado.

Presentación de la compañía Strongylus

Interesado en realizar su servicio social, ofreció sus habilidades para diseñar maquillaje y escenografías, el tomaría parte en los ejercicios y entrenamiento de cada una de las sesiones, siempre y cuando no fuese requerido “estar” sobre un escenario. “Empecé a tomar las clases y conforme fue avanzando el semestre, me fue gustando... ya había visto mimos… se me hizo muy padre pensar ahora como pensaban ellos “.

Así, con el creciente interés en esta disciplina, solicitó ser incluido en la presentación de fin de curso, que se realizaría en el Teatro Principal de Guanajuato. Pero Javier aún cuestionaba la efectividad de las rutinas que presentarían y grande fue su sorpresa al escuchar carcajadas de la audiencia durante el evento. Ese momento, ante un teatro lleno y la interacción con la gente “fue ´el pum’, me enamoré totalmente… y ya no lo pude dejar”. 

Javier López Ríos

Es cosa común que los jóvenes que han decidido seguir una carrera artística enfrenten oposición por parte de sus familias y este caso no fue la excepción, pero Javier decidió llevar su decisión hasta las últimas consecuencias; complementó las clases de pantomima con danza contemporánea para luego ingresar a Estudio Búsqueda de Pantomima-Teatro AC, en donde se daría su encuentro con el arte del clown, su nueva vocación.

En función

Luego de la desaparición de Espiral y Animania quienes realizaron presentaciones de payaso y pantomima en Chihuahua, a su regreso a esta misma ciudad en 2005 López Ríos forma la compañía de clown Strongylus, que busca ofrecer alternativas para todo público con presentaciones en países varios en donde brindan “la imagen de una caricatura en movimiento”. Esta compañía cuenta con varios espectáculos como el de ‘clown de hospital’, uno de sus más recientes proyectos en Cuauhtémoc y la creación del primer festival especializado en payasos en el país, que este año llegó a su quinta emisión.

Miss Saigon

Ambientada en los últimos días de la ocupación norteamericana en Vietnam durante los años 70´s, esta obra de teatro musical ha sido uno de los éxitos más destacados de Broadway durante las últimas décadas.  La trama está basada en la ópera Madame Butterfly de Giacomo Puccini, ambas relatan un trágico romance entre una mujer asiática y un estadounidense, pero el contexto histórico del Japón previo a la Primera Guerra Mundial se traslada a Vietnam, y los protagonistas pasan de una geisha a una chica en un bar y de un oficial marino a un sargento militar.

Es cosa común basarse en historias preconcebidas al haber cierta seguridad en el uso de anécdotas antiguas para crear versiones modernizadas de los clásicos.  Sin embargo, Puccini no es el creador del relato original pues basó su trabajo en “Madame Butterfly: Una tragedia de Japón”, de David Belasco, obra que concede crédito al cuento de John Luther Long y este último basado en la novela francesa de 1887 “Madame Chrysanthème” de Pierre Loti.

A pesar de que la historia ha sido no solo adaptada sino re imaginada a través de varias versiones en más de una lengua existen quienes catalogan a “Miss Saigon” como una perpetración narrativa en donde una chica asiática es rescatada por un norteamericano: “Si el show intentaba contar la historia de los vietnamitas, no nos reconocimos ni a nosotros ni a nuestros padres en ninguna de las caras que estábamos viendo en escena – comenta Diep Tran -, [En el lobby] Estaban vendiendo una camiseta de béisbol con Ho Chi Minh y la bandera comunista, los mismos símbolos de los que mi familia huyó”. Incluso el escritor Viet Thanh Nguyen, ganador del premio Pulitzer declaró sentirse “asombrado de que la gente alrededor mío llorara durante la función… Pensé que era terrible…encaja perfectamente en la forma en que los estadounidenses y los europeos han imaginado la guerra de Vietnam como una fantasía racial y sexual que niega la importancia política de la guerra y la subjetividad vietnamita ".

Un montaje neoyorkino utilizó fotografías tomadas por veteranos en servicio en Vietnam a la vez que utilizó la puesta para lanzar una crítica severa al presidente en turno. Pero la historia sigue delimitando las expectativas de una audiencia cada vez más informada sobre la veracidad de los hechos. Concebida y dirigida por personas anglosajonas y contando a menudo con un elenco multi racial, la obra sigue dando mucho material para hablar sobre la denominada supremacía blanca.

 

Apapacho: un abrazo para el alma

Con suma frecuencia los adultos se debaten sobre llevar o no a sus hijos pequeños a ciertos lugares pues la leyenda “no niños” pareciera extenderse más de lo imaginado en propaganda e invitaciones. Para quienes se encuentren en este dilema la recomendación es “Apapacho”, teatro para bebés de 3 a 36 meses de edad.

Creado por Nataly Proo bajo Proyecto Nía, una extensión de la compañía Lunajero teatro, la idea se centra en juegos pre simbólicos, es -como ella misma lo describe - “una experiencia lúdica que parte de la interacción [de actores y padres] con los bebés”. La idea surgió mientras desarrollaban “Arewa”, obra presentada en diversos municipios del estado que los llevó a reflexionar sobre el proceso creativo, que no termina con la presentación una función, sino que nutre audiencia y creadores. ¿Por qué sentar a los niños en una silla cuando pueden vivir la experiencia escénica?, ¿existe un teatro infantil acorde a los diferentes rangos de edad?  De estas y otras interrogantes nacería la investigación que da vida a este proyecto.

            “Los niños no son público, son parte de la escena… interactuar…y jugar con ellos, por que aprenden jugando” comenta una de las asistentes al evento del que forman parte Fernanda Alatorre, Erick Hernández, Diana Bravo, Luvia Chávez y Raúl Medina. “Apapacho” tendrá una nueva temporada durante los domingos del mes de diciembre en teatro bárbaro. Las recomendaciones a los familiares que asistan con sus bebés son vestir ropa cómoda, y permitir a los niños tocar los objetos o acercarse a los actores si así lo desean e incluso emitir sonidos. 

       “Nada se compara con la experiencia de verlos sonreír” comenta la directora de este espectáculo diseñado para los más pequeños, en donde alimentos, biberones y otros artículos para bebés son permitidos.

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Festival Strongylus

La quinta edición del festival Strongylus ha anunciado su programación que este año se suma al festival internacional de la ciudad de Chihuahua, FICUU. Sus inicios se remontan al año 2011 cuando Javier López y Carmen Chávez, dos de los integrantes de la compañía de payasos Stongylus enamorados del arte clown deciden realizar bajo el mismo nombre, lo que sería el primer festival especializado en payasos en el país.

La idea surgió luego de su participación en varias muestras de teatro, pues los espectáculos de clown presentados obedecían a una normatividad distinta a las obras de teatro. “Tenemos que hacer un festival de puros payasos donde [como payaso] no seas la excepción, sino la regla… Todos son payasos y entonces todo se ve bajo otra óptica, y el público va a ver esta opción y le va a gustar”. Y así ha sucedido. Sería hasta este año cuando José Sandoval ganase el premio a mejor actor, por su participación en “Pelones y pelucas”, espectáculo presentado por Strongyus en la muestra estatal de teatro 2017.

Javier define las presentaciones de clown como “divertidas y ágiles”, en donde hay un trabajo intelectual, aunque el público no es quien lo analiza de lleno sino quien lo disfruta. Ediciones anteriores de este festival han contado con varios foros como teatro de cámara y teatro de la ciudad, auditorio municipal y museo casa chihuahua donde además de las presentaciones han realizado talleres gratuitos y master class. Este año el repertorio incluye: "Vuelo AK-713", el 10 de octubre; “Los lunáticos”, “Fuga en la zona roja” y “El último parisino”, el 11 de octubre; “Petite varieté” y “Soloni”, el 12 de octubre, además del taller “improvisación para clown y teatro de calle” 10 al 12 de octubre.

Los boletos para todas las funciones son gratuitos y puede obtenerse en el teatro de la ciudad. La cartelera con horarios y sedes puede consultarse en la página de redes sociales de esta compañía.

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La que hubiera amado tanto

Guty Cárdenas

Con un título que evoca de manera ineludible al trovador yucateco Guty Cárdenas y su conocido tema “Ella”, el dramaturgo mexicano Alejandro Licona nombraría uno de trabajos publicado en 1999 por la Universidad Veracruzana.

Es una obra en un acto que de una manera fresca y en apariencia ligera aborda  

Eduardo Alcalá, en el papel de Odilón

una temática universal que gira en torno a la aceptación y el rechazo, además de presentar un producto de fantasía del que no solo los personajes, sino también la audiencia estará a la expectativa de su buen funcionamiento.  No será esta la única vez en que el autor haga referencia a la apariencia física en alguno de sus textos salpicados de un humor atractivo desde el título: “La suerte de la fea”, “Abuelita de Batman” y “La dama fantasma”, por mencionar algunos.

Durante la década de los 80´s., Licona estuvo a cargo del taller de comedia del Centro de estudios actorales (CEA) de Televisa, emisora en donde tendría una de sus participaciones como guionista más recordadas en el programa televisivo protagonizado por Héctor Suárez “¿Qué nos pasa?”. Años más tarde, en 1991, recibiría un homenaje a su labor dramática con la institución del Festival del Sketch que lleva su nombre en Ciudad Nezahualcóyotl.

Odilón y Andrea (Alcalá e Inet Simental)

Dos años después de su publicación, “La que hubiera amado tanto” sería premiada en Chihuahua durante una muestra de teatro.  El soliloquio que realice Odilón, uno de los protagonistas, frente al espejo inicia así: “Feo, feo no estoy. Platicar puedo. Dinero… pues ni me sobra, ni me falta. Viejo, viejo… Arsenio es de mi edad. Campos no se diga, me lleva como siete años. Más adelante será el mismo personaje quien encarne la soledad como otro elemento característico en esta obra: “Es la elección. La soledad se disfruta, no se padece…” dirá mientras alza su copa de vino para brindar.

El clarín de la noche

     “¿Qué pasó con la revolución?… ¿por qué quieren poner maquilas donde estaban los surcos?” con estas y otras preguntas José Juárez, el protagonista de El clarín de la noche, realiza    planteamientos sobre la situación sociopolítica del México actual.

     Se trata de un texto escrito y dirigido por Manuel Talavera Trejo, quien junto con Enrique Minjares y Hugo Salcedo formaría parte del colectivo de dramaturgos Teatro del Norte. La historia presenta a Pedro, un campesino que ante el asombro de todos y de la persuasión de sus hijas se niega a vender sus tierras: “…de aquí no me muevo. No me muevo, aunque se acabe el mundo”. A diferencia de este personaje, sus contiguos aceptan una oferta que los obliga a salir de su lugar de origen para fusionarse a la gran urbe que se extiende hasta alcanzarlos y consumir todo a su paso: “La ciudad está creciendo mucho, estamos tan cerquitas”, será la reflexión que realice en voz alta Paz, esposa de Pedro.

      Estrenada en la ciudad de Toluca durante la Jornada Teatral Internacional en el año 2000, la obra contó con música original de Gustavo Flores y la siguiente descripción en el programa: ´Azorado por el crecimiento de las ciudades, piadoso ante Pedro que defiende su parcela de aquellos que todo lo compran, se presenta José Juárez como el hijo de Juan sin miedo “…y padre de todos ustedes hijos de todas las %&#$/%#%".  En su impotencia José Juárez solo pide una cosa: que su nombre no se olvide´.

Ernesto Medina: Un creador con permanencia

   “El teatro me eligió a mí”, con estas palabras Ernesto Medina, uno de los creadores con mayor permanencia en el teatro local, apertura una conversación en la narra sus experiencias en torno al quehacer de la escena.  

Ernesto Medina.
Fotografía: Arturo Torrija

   Atraído por el teatro de la década de los 80´s, incursionaría como actor bajo la dirección de David Hernández y posteriormente de Fernando Saavedra. Sería luego de la participación en un montaje de este último que recibiría una beca para cursar talleres de teatro en el antiguo departamento – hoy facultad- de artes de la Uach; de ahí seguirán una serie de experiencias en obras como “La danza de la muerte” a cargo de Enrique Hernández Soto en el Centro cultural del bosque, al que acudiría como espectador el maestro Solé quien estuviera “muy agradecido por lo que vió del montaje”.  

     Durante esa época surge la Asociación de Teatristas Unidos de Chihuahua (ATUCH), organizadores de las primeras muestras estatales y regionales de teatro en la ciudad y cuyos proyectos se presentaban mensualmente durante un fin de semana, en el recién inaugurado Teatro de los héroes, recinto al que accedían de manera gratuita.  Ya el maestro Pedro Laguna sería quien señalase la función de contar con un espacio escénico: la apertura hacia grupos locales. Ante estas memorias Medina comenta: “Ojalá llegaran de nuevo esos tiempos”.  

         Luego de diez años como actor era “inminente la necesidad de dirigir” sus propios proyectos. “La boda de la mujer maravilla”, sería su debut con una temporada larga; después vendrían más montajes, entre ellos uno seleccionado para representar al estado en la muestra nacional de teatro infantil. “Me siento en deuda, sé que tengo que estarme preparando en muchas áreas”, menciona Ernesto Medina, becario de la coordinación nacional de teatro en el área de producción y quien ahora dirige “Novia de trapo”, que tendrá funciones del 20 al 23 de Julio en Teatro Bárbaro. Informes al: 614.175.75.46  

Colorín Colorado…

No es solo la leyenda final de varios cuentos infantiles, sino también el nombre de un grupo de teatro que radica en la ciudad de Chihuahua. Se trata de una compañía multifacética que realiza proyectos de animación, zanqueros, arlequines, mimos, mojigangas, payasos, estatuas vivientes y puestas en escena. Comedia de errores, un clásico de Shakespeare, fue una de sus más recientes participaciones realizada en colaboración con camelot arte cultura ac, dentro de la temporada 2017 del programa permanente de teatro de la facultad de artes dela Uach.

El origen de Colorín colorado se remonta diez años atrás cuando tuvieron su primera participación como grupo en el Festival Internacional Chihuahua, en su versión para niños. De ahí surgirían una serie de obras ininterrumpidas con los más diversos temas que van desde valores, hechos históricos, pastorelas y cuentos clásicos infantiles como El gato con botas, obra de la que develarían placa conmemorativa por 250 funciones a nivel nacional.

Estreno: domingo 16 de Julio, 16 y 18 hrs

Creada por Enrique Carrillo y Guadalupe Magaña, la compañía brinda experiencia a noveles actores y actrices en el quehacer escénico. Siendo aún estudiantes de la licenciatura en artes escénicas, Lupita y Quique se conocieron en el antiguo instituto de bellas artes de la Universidad Autónoma de Chihuahua; sería años más tarde, luego de egresar, que ambos unirían sus habilidades para incursionar en esta notable labor de educativa.

Su trabajo artístico a lo largo del tiempo, los ha llevado a crear un sinfín de personajes, adaptaciones y textos de su autoría, así como diseños de vestuario, escenografías y una técnica de montaje propia palpable en sus procesos creativos.  Partidarios de la formación de públicos desde una edad temprana, pero sin excluir a jóvenes y a adultos, continúan con lo que ellos mismos denominan como “teatro a la puerta”, presentaciones teatrales en espacios educativos. Durante todos estos años su premisa de trabajo ha sido: Si la gente no se acerca al teatro, que el teatro se acerque a la gente.

Digi guardianes: protegiendo el ciber espacio, es el próximo trabajo de esta fructífera compañía que se estrenará el domingo 16 de Julio en el teatro de la ciudad con funciones a las 16 y 18 hrs. Los boletos pueden adquirirse en línea en don boleton: niños $110  y adultos $165

página de Colorín colorado en redes sociales

¿Y el festival del siglo de oro?

SIETE AÑOS DE AUSENCIA DEL FESTIVAL DE TEATRO DEL SIGLO DE ORO ESPAÑOL

Hasta trece llegó a ser el número de obras de Lope de Vega, Calderón de la Barca, Juan Ruiz de Alarcón, Miguel de Cervantes y otros autores que solían ser representadas durante el Festival de Teatro del Siglo de Oro, un evento que llegó a Chihuahua, Delicias, Camargo, Guadalupe y Calvo,
Cuauhtémoc y Valle de Allende.

 Entre algunos de los beneficios generados por este Festival, además de disfrutar de obras de grandes dramaturgos, estuvieron la difusión de textos clásicos en lengua castellana, el acceso a la cultura y la formación de público. Generaciones de jóvenes de preparatoria, como parte de la audiencia frecuente, fueron introducidos en las artes escénicas con este tipo de teatro y son ellos quienes emiten sus comentarios referentes a este Festival: “al principio iba por obligación, después porque me gustaba”.

Auspiciado año con año por el Gobierno del Estado de Chihuahua a través de su Instituto de Cultura, es aproximadamente desde el 2010 -coincidiendo con la fallida administración de Fermín Gutiérrez- la desaparición de éste y otros importantes programas culturales. El Festival de teatro del siglo de oro sigue brillando por su ausencia, aunque no así en ciudad Juárez donde una instancia municipal permite la continuidad del que ha sido referido en medios de Juárez como “uno de los eventos culturales más antiguos y tradicionales”.

Convocado originalmente por el parque El Chamizal en El Paso, Tx, la cercanía geográfica ofrece un considerable ahorro en inversión y logística para la expansión de este festival que tanto en Juárez como en El Paso va ya en su emisión número 42. Este año estuvo albergando a artistas de la talla de Mario Iván Martínez, así como a grupos de teatro universitario y a compañías profesionales mexicanas e internacionales.

En medio de nuestro desierto cultural la gira del Teatro del Siglo de Oro Español ha sido durante muchos años un pozo de agua fresca. ¿Cuánto tiempo más tendremos que esperar para recuperar este Festival en nuestro estado?  Esperemos que las dirigentes de cultura -estatal y municipal- de Chihuahua, así como los de distintos municipios, retomen un proyecto tan relevante como éste y que el público chihuahuense tenga acceso nuevamente a estos espectáculos.

Via crusis: representaciones a través de tres siglos

Iztapalapa 2017. Página ciudadana

Catorce son las estaciones que comprende la práctica cristiana en torno a episodios de la pasión de Jesucristo; una práctica piadosa para la que santos como la madre Teresa de Calcuta han escrito oraciones. Esta experiencia ha sido descrita por Antonio Izquierdo, L.C. como “recuerdo, memoria histórica, enlace amoroso con aquel primer Vía crucis que, desde el pretorio del gobernador romano hasta el monte Calvario, recorrió Jesús de Nazaret...”

Aunque se trata de una devoción muy antigua que bien puede datar de la segunda mitad del siglo XIX, la tradición atribuye las primeras representaciones del Vía crucis asociadas a peregrinaciones ya sea al Monte Kolitza pidiendo a San Roque librar a los pobladores de las pestes de la época o en el Cerro de la estrella, donde sus habitantes invocaron las imágenes de Cristo veneradas en las ermitas de la comunidad, también bajo la preocupación de epidemias que amenazaban familias enteras en 1833. Cuenta la historia que la mortandad por cólera cesó; las representaciones iniciaron y han recorrido ya tres siglos.

En Iztapalapa inicia con la bendición de palmas el domingo de ramos y continúa el jueves Santo emulando la última cena, el lavatorio, la oración en el Huerto de los Olivos y la aprehensión.  El Viernes Santo se sigue con el juicio e  inicia el trayecto que presenta las tres caídas hasta el Calvario.  La versión española arranca la noche del jueves santo con la escenificación del juicio y última cena continuando con el resto al día siguiente. 50,000 espectadores verán este último trabajo de siete meses de ensayos de 350 son personajes. Amabas presentaciones, una en el Estado de México y otra en la región Vizcaína, son distintas año con año y forman parte de las representaciones más grandes celebradas cada año.

Día mundial del teatro

Esta conmemoración tiene lugar cada año y es convocada por el Instituto Internacional del Teatro (ITI), organismo adherido a la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO).

Celebrado por vez primera el 27 de Marzo de 1962 - fecha de la inauguración de la temporada del Teatro de las Naciones en París-, el día mundial del teatro cuenta en cada emisión con un manifiesto por una figura relevante que en este año corrió a cargo de Isabelle Huppert quien comentó: “En 55 años soy la octava mujer a la que se le pide pronunciar un mensaje”. La actriz francesa mencionó parte de sus acompañantes al recinto: Medea, Fedra, Blanche Dubois… todos ellos personajes que interpretados o disfrutados como espectadora, parecieran haberse ido al término de una función, pero que en cambio enriquecen su vida mediante la universalidad del teatro que transporta a realidades, en ocasiones cotidianas y en otras distintas o lejanas.

La forma en la que el teatro sigue vivo al nutrir espectáculos contemporáneos o reviviendo a los clásicos fue otro de los puntos en su discurso. “El teatro es muy fuerte, resiste, sobrevive a todo, a las guerras, a las censuras, a la falta de dinero…De hecho, el teatro renace cada día de sus cenizas…” Esta imagen del fuego ha sido utilizada  para referirse a términos teatrales, Eugenio Barba comenta que: “Hablando de teatro… la realidad del fuego regresa…. el fuego de la actuación, el público que se enardece, el ardor de las pasiones y de los aplausos”.

Además de charlas, puestas, talleres, festivales y una inmensa variedad de actividades que se realizan a nivel mundial a esta celebración, existen gobiernos que adhieren su participación a esta fecha, pronunciando compromisos tangibles para acrecentar esta disciplina, pues parte del objetivo de esta celebración es la promoción a gran escala de la disciplina escénica.

Huppert  hizo también un llamado que bien puede extenderse a cada dependencia a cargo de este rubro: “sugeriría a aquellos que pretenden gobernarnos, que estén atentos a los beneficios inimaginables aportados por el teatro…”. Ojalá pronto sea retomado el festival de teatro del siglo de oro en esta ciudad de Chihuahua, pues como menciona la vocera del día mundial del teatro de este año: “El teatro para mí es el otro, el diálogo, la ausencia de odio. La amistad entre los pueblos”.

Samy Blanco: Arte y diseño

Diseño: Samy Blanco

La creciente frecuencia de actividades artísticas constituye uno de los factores primordiales que generan el despunte de creadores locales que buscan especializarse en su quehacer en el ámbito en que se desarrollan.  

Uno de estos ejemplos es Samuel Blanco. Oriundo de Cuauhtémoc, Chihuahua (1982), inició su aprendizaje de forma cotidiana en el taller en donde su madre elaboraba disfraces. Lo que más le atraía en ese entonces era “el poder crear algo… la combinación de texturas y colores”. Imaginar una pieza y pensar en el proceso creativo que lleva al resultado de esa creación fué lo que desperto su deseo de ser diseñador.

 Exploró diversas disiplinas como el dibujo, la pintura y escultura,  experiencia que recomienda, ya que lo llevó a ser un creador mucho más completo y versátil.

Samuel Blanco se define a sí mismo como un artista, admirador de los diseños que “más que hacer ropa, - crean - arte en cada una de sus piezas”. Sería en 2015 cuando decide inscribirse en el certamen Elle México Diseña, siendo uno de los seleccionados para audicionar en la región noroeste. Esta breve participación reforzaría su propia imagen como un diseñador con innovadoras propuestas.

Samy Blanco

Con el naranja como su color favorito además de una diversidad de materiales y texturas a elegir según la pieza a elaborar, continuará ejecutando piezas para certámenes de belleza, grabaciones y publicaciones diversas.  El portafolio de Blanco cuenta con imágenes de fotógrafos y modelos internacionales y varios de sus diseños han sido publicados en afamados medios, como la revista italiana Vogue, en su versión digital.

Sobre las circunstancias de carencia de apoyos hacia los artistas en formación por parte de las instituciones, considera que los tropiezos constituyen lecciones de las que se puede “aprender bien de ellas para que en verdad te sirvan para ascender” y aconseja a quienes desean dedicarse al arte el  “hacer las cosas con mucha pasión”.