Ricardo Colorado Seira, un contador de historias

Rodaje de: "La otra parte"

Ricardo Colorado Seira

“Mi pasión es el cine, pero si se me tuviera que encasillar en un cuadrito y decir que soy, yo te diría: soy un cuentista”. Con estas palabras Ricardo se define a si mismo por su gran pasión: la de contar historias. Abogado de profesión, su carrera toma un giro trascendental al contactarse a un grupo de cineastas mexicanos radicados en Estados Unidos con quienes ha podido desarrollarse como escritor y productor de cine; lo que inició como un pasatiempo hace años, es hoy su trabajo de tiempo completo.

Sus estudios de guionismo rindieron  frutos con la culminación de la producción de “Crescendo”, un cortometraje ganador de  dieciséis festivales, entre ellos el International Hollywood Film Festival, y su nominación a mejor cortometraje en la edición 2013 de la entrega de premios de la academia en los Oscares. A este proyecto se sumarían el productor mexicano Eduardo Verástegui y Patricia “Pattie” Mallete, madre de Justin Biber, quien identificándose con la historia, participa como productora ejecutiva. Es también en compañía de Metanoia Films y de Alejandro Monteverde, que Colorado Seira participa en la revisión del guión de la película “El gran pequeño”. El objetivo de Colorado, es el de realizar producciones “que tengan sentido y contenido”, como el mismo expresa. “Creo que el cine nos da esa gran oportunidad de cautivar la atención del espectador… ese potencial de poder proponer, de que la gente vaya al cine y salga con algo, que salga enriquecida y motivada…”

Con más de diez años escribiendo historias, Ricardo Colorado atribuye a su abuelo su gran gusto y determinación por el desarrollo de relatos. Considera que en Chihuahua existen elementos necesarios para hacer cine como “la luz envidiable para filmar”, aunque aún hace falta la creación de una comisión fílmica en el estado para acceder a presupuestos destinados para este fin.  A los creadores y personas con inquietudes artísticas recomienda "...no solo seguir sus sueños, sino estar dispuestos a aceptar el fracaso. En el trabajo en esta industria siempre hay algo que aprender: un libro, curso. ¡La clave es prepararse y arriesgarse!"

Colorado y Antonio Kusturaki

Atraído e identificado con las historias de frontera escribe el cortometraje “The Walk”, en el que narra los sucesos de un padre que busca llegar "al otro lado" para reunir a su hijo con el resto de la familia. “El cine es una ventana no solo para entretener sino para reflexionar, para entender la propia historia” comenta el autor que el próximo mes debutará como director de su primer largometraje: "La otra parte": Será Verástegui quien se sume de nueva cuenta como productor de esta ópera prima además del diseñador de sonido de "Babel", Carlos Zamorano. Seleccionada entre más de 7,000 cintas "La otra parte" será presentada en la gala de apertura de uno de los festivales fílmicos más importantes de Iberoamérica: el Festival Internacional de Cine de Morelia, FICM, en su 14a edición.  ¡En hora buena!


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Medalla “Rascón Banda” para Perla De la Rosa

Perla De la Rosa

Fueron 12 los aspirantes presentados por la Comisión de Educación y Cultura del Congreso del estado de Chihuahua para la obtención de la Medalla al Mérito Cultural “Víctor Hugo Rascón Banda” 2016, un reconocimiento que se otorga a chihuahuenses destacados en la cultura y las artes que distingue además con la colocación del nombre galardonado en el muro de honor de la Sala de Visitantes Distinguidos del edificio legislativo.

Una destacada trayectoria de más de treinta años  le valió a Perla De la Rosa convertirse en la primera mujer galardonada con esta presea. Egresada de la Licenciatura en Literatura Dramática en la UNAM y miembro del sistema nacional de creadores por el Fondo nacional para la cultura y las artes (FONCA), Perla se desempeña como directora artística de la compañía de teatro Telón de Arena, formada como ella misma menciona “por los más de 50 colaboradores con los que  realizamos múltiples proyectos como oferta cultural para Ciudad Juárez, nuestra ciudad, no tan heroica, como si despojada y marginada…”

Con su compañía, constituida legalmente como asociación civil en 2002, Perla continúa realizado actividades culturales que permean a diversos sectores de la sociedad de manera constante. Ejemplo de ello son el espacio cultural Café-teatro, donde ofrecen una gama DE invitados en teatro, música y ciclos de cine; el Teatro en tu ciudad, que presenta espectáculos urbanos de gran formato; el Teatro para la convivencia destinado al desarrollo de públicos y la atención de sectores vulnerables; y el Laboratorio escénico teatro de fronteras con el que mantienen actividades de formación e intercambio creativo

La ceremonia de premiación  se llevó al cabo el 6 de Septiembre, en el Congreso del Estado. En su discurso, Perla hizo hincapié en el sentido de denuncia de las obras de Rascón Banda, recordándole junto a Leñero en el denominado Movimiento de teatro clandestino, memoria teatral de acontecimientos  de desolación en México. “¿Cuáles serían las historias de la aldea de Víctor Hugo, las que no alcanzó a imaginar siquiera? ¿La historia de una madre que busca justicia y que es asesinada, a las puertas de palacio de gobierno? ¿La historia de los cientos de desaparecidos de Cuauhtémoc? ¿El hotel verde y la historia de jóvenes vejadas, explotadas y asesinadas, que siguen siendo una realidad en Ciudad Juárez? ¿Los diputados? ¿Los gobernadores? ¡Cuántas historias que reclaman justicia! y que seguramente estarían en la preocupación de Víctor Hugo Rascón Banda”, afirmó De la Rosa en su discurso.

Ganadora de un Ariel como actriz de cuadro en el 2004, nominada como revelación femenina por la Asociación de Críticos y Cronistas de Teatro de México y compañera de escena de Joaquín Cossío, el nombre de Perla es toda una tradición en el quehacer artístico nacional que hace referencia a su incansable labor al servicio de la cultura en su propia comunidad. Su labor continúa y es en Ciudad Juárez donde presenta “Safari", su más reciente trabajo en colaboración con Adelheid Roosen y el actor Daniel Giménez Cacho. 

"Safari"

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Teatro y verso

Pedro Calderón de la Barca, Felix Lope de Vega, Tirso de Mollina, William Shakespeare son algunos de los autores que pueden saltarnos a la mente cuando pensamos en el teatro en verso. Ellos forman parte de los máximos exponentes en el ramo y sus obras continúan representándose.

¿Qué es lo que resulta atrayente de este tipo de teatro? Mientras el octosílabo y endecasílabo, son los versos utilizados con mayor frecuencia en el teatro español es el verso alejandrino, de catorce sílabas, el favorito en el teatro francés. Esto nos da una idea de la tarea laboriosa que es el identificar las pautas métricas en que se basan autor y actores para contarnos una historia  - amén de  las variaciones reglamentarias de cada idioma -  pero de alguna manera la construcción del texto en verso con su ritmo y melodía propios, logra atraparnos en algún momento, ofreciéndonos la oportunidad de examinar el mundo contemporáneo a través de los ojos de los personajes y su época. Nos percatamos de similitudes entre pueblos; observamos que aunque hay cosas pueden cambiar, también habrá ideas, emociones, tradiciones y formas de ver el mundo que persisten a través del tiempo.

Presenciar este tipo de teatro podría resultar un poco abrumador de inicio, pero la fuerza contenida en el verso es tal que ofrece una estética única. Un texto  melódico interpretado de manera adecuada produce deleite. Es muy deseable el interés genuino de actores de cine y teatro por la práctica del teatro en verso que resulta sobremanera provechoso tanto para el ejercicio de su profesión como para la audiencia que presencia su trabajo. Como ha opinado Oscar Ulises Cancino, el estudio del teatro del siglo de oro español en las escuelas del país es necesidad urgente, su implementación enlaza a los estudiantes con las raíces de la propia cultura.

Aunque realizado en menor frecuencia existe también teatro contemporáneo escrito en verso. Su aguda escasez deriva en llamamientos imperiosos como el del dramaturgo británico Glyn Maxwell: “Haz algo de teatro en verso, alguien hágalo antes de que me vuelva complacidamente loco, solo en este campo."

Arte

"Arte". trad. Christopher Hampton

Una de las grandes gracias del arte radica en la presentación de perspectivas sobre una realidad determinada. Prueba fehaciente de ello son las artes escénicas, cuando el argumento planteado por el autor hace lugar común con el de la audiencia el texto resulta en una mayor acogida, es la resonancia que dispone a la reflexión del tema en cuestión. Tal es el caso de “Arte”, la obra de teatro con autor aún vivo, más representada a nivel mundial. 

 Escrita por Yasmina Reza, el texto presenta la discusión de tres amigos suscitada por la compra de un cuadro vanguardista. Marcos: “Mi amigo Sergio se ha comprado un cuadro. Es una tela de aproximadamente un metro sesenta por un metro veinte, pintada de blanco. El fondo es blanco y si entornamos un poco los ojos, podemos percibir unas finísimas líneas blancas transversales…”  Iván un amigo en común será el tercer personaje en discordia que quedará en medio de ambos, tratando de conciliar sus puntos de vista ya que la compra de Sergio - un lienzo en blanco por un precio exorbitante-, es un completo desperdicio en la opinión de su amigo. Marcos: “Que Sergio se haya comprado ese cuadro me supera…. No consigo entender cómo es posible que Sergio, que es amigo mío, haya podido comprarse ese cuadro. ¡Cinco millones! Tengo que contárselo a Iván…”

"White on White" Kazimir Malevich

Tras su estreno en París en  Octubre de 1994 “Arte” se hizo acreedora al máximo galardón otorgado al teatro francés: el premio Moliere. Posteriormente obtendría también  los premios Laurence Oliver y Tony, las preseas equivalentes para teatro en Inglaterra y Estados Unidos. El éxito de esta obra radica con suma probabilidad en una serie de preguntas sin resolver sobre el arte moderno, además de la sencillez del escenario que exige pocos cambios durante su puesta; también el hecho de que los personajes cuenten con parlamentos generosos de donde los actores que gusten de monólogos pueden servirse a manos llenas. La faceta de Reza como actriz antes de su despegue como dramaturga, ha sido señalada también como un componente importante de la gran popularidad de su escritos. Al respecto, David Ives, en entrevista para la revista American Theatre, comenta: "La verdad es que la mitad de la razón por la que sus obras se hacen es porque los actores quieren hacerlas. Sus obras (refiriéndose a Reza) son pegajosas para los actores... ahí hay grietas superficiales para un artista".

Son los personajes en apariencia simples quienes poco a poco toman dimensiones profundas que plantean interrogantes a cuestiones muy humanas como las relaciones interpersonales. Con todo, el texto es el pretexto para abordar de una manera mordaz las menguadas pautas y el elitismo del arte contemporáneo. ¿Es la modernidad vs el tradicionalismo? La propia Yasmina dirá: "No me corresponde a mi decirlo, pero el teatro es un espejo, un reflejo nítido de la sociedad. Los grandes dramaturgos son moralistas".

Ver publicación impresa en El Heraldo de Chihuahua

El drama de Bernarda Alba

La casa de Bernarda Alba, dir. Mario Humberto Chávez

Subtitulada “drama de mujeres en los pueblos de España”, la obra de teatro escrita por García Lorca poco antes de su muerte, narra la historia de una mujer que tras la muerte de su marido, impone un riguroso luto a sus cinco hijas. “La casa de Bernarda Alba” sería escrita en Madrid en 1936 e impedida de ser representada por la por la guerra Civil Española. Nueve años más tarde fue estrenada en Buenos Aires. Se trata de una obra en tres actos enmarcada dentro del llamado teatro renovador, del que tanto Federico García Lorca como su contemporáneo  Rafael Valle Inclán destacan como exponentes. Los críticos han agrupado esta obra junto con “Yerma” (1934) y “Bodas de sangre” (1933) en las tragedias rurales o trilogía lorquiana.

Ha sido representa en incontables ocasiones; adaptada a televisión; convertida en guión cinematográfico; inspirado la creación de un espectáculo de ballet y un musical e incluso considerada para representación por Bertol Bretch. Tal como se detalla en “Crónicas de Brecht”, la publicación  neoyorkina de Klaus Wölke refiere el intento de Bretch por incluir una obra de Lorca, en el repertorio del Berliner Ensemble, hacia el año 1949. Al respecto Issac Rubio comentará que “conociendo la teoría y la practica teatrales de Bretch cabe dudar de que la elección pudiera recaer sobre cualquiera de las piezas anteriores a La casa de Bernarda Alba”

Será el mismo Lorca quien hablaría con el escritor chileno Carlos Morla Lynch sobre su última obra: “En la casa vecina y colindante a la nuestra vivía ´doña Bernarda´ una viuda de muchos años que ejercía una inexorable y tiránica vigilancia sobre sus hijas solteras. Prisionera privada de todo albedrío jamás  hable con ellas, pero las veía pasar como sombras, siempre silenciosas y siempre vestidas de negro… había en el confín del patio un pozo medianero, sin agua, y a el descendía para espiar a esa familia extraña cuyas actitudes  enigmáticas me intrigaban. Y pude observarla… Y así nació la casa de Bernarda Alba, en que las secuestradas son andaluzas…”.

Puesta en  la Quinta Gameros, UACH

Al parecer la familia Alba se sintió bastante incomoda de que parte de sus experiencias fueran recogidas en una obra y no fué sino hasta 1996 cuando el poblado que Lorca describiese como fuente de inspiración para el afamado texto, viera por vez primera la puesta en escena.  Dos años más tarde las viejas rencillas familiares terminaron para dar paso a la casa museo Federico García Lorca, en Valderrubio, - hoy Granada -. Podría decirse que gran parte del éxito de la acogida de este texto radica en el  intento evidente del autor por lograr un teatro más realista, por lo que en el año ´35 expresase en una entrevista que: “Cada teatro seguirá siendo teatro andando al ritmo de la época, recogiendo las emociones, los dolores, las luchas, los dramas de esa época…” 

Rita, la mujer que cayó del cielo

1983 fue el año de ingreso de una mujer mexicana a un hospital psiquiátrico de la ciudad de Larnen, Kansas. Se  trataba de una persona de origen tarahumara a quien la ignorancia de su lengua y cultura por parte de las autoridades locales mantuvo en este recinto público por más de una década. Años más tarde, la estrujante historia que circuló en los diarios dio pie a la recreación de los hechos en escenarios de todo el mundo con actores de la talla de Víctor Carpinteiro, Roberto Sosa y Luisa Huertas.

La obra autoría del chihuahuense Víctor Hugo Rascón Banda fue estrenada en 1999 y representada por la compañía nacional de teatro de Costa Rica, cuya directora del montaje, Maria Bonilla definió al dramaturgo como “Un escritor prolífico y complejo que, desde sus primeros escritos, mira la identidad y la pertenencia desde la herida abierta de la injusticia… ocupándose de sangrientos problemas sociales del México contemporáneo, en la mayoría de los casos, elaborando historias reales”.

Luisa Huertas interpretando a Rita

Cargada de un hecho pleno  de intensidad dramática, la obra narra en treinta y ocho escenas subtituladas la forma en que Rita, la mujer tarahumara que sin saberlo llegase a los Estados Unidos, es procesada e internada en un sanatorio mental, bajo el supuesto de haber perdido la razón y hablar un lengua inexistente;  los momentos de maltrato que vive,  el aislamiento físico y la medicación a los que es sometida hasta que un visitante la descubre, e identificándola como parte de un grupo étnico revela su origen.  En varias ocasiones Rita habría sido cuestionada sobre su lugar de origen, pero su escaso conocimiento de español  dificulta la comunicación con sus oyentes, creando confusión con su respuesta de “cielo” o “arriba”, para referirse a las montañas de la sierra de donde provenía.

George Woodyard de la Universidad de Kansas subraya los efectos emocionales de esta pieza que crea “un profundo sentido de lo que significa ser el otro, el desamparado, en un ambiente sin suficiente contacto personal a nivel humano”. “La mujer que cayó del cielo” podría incomodar al espectador, no sólo por el tema sino por el desconocimiento de alguno de los tres lenguajes en que fue escrita,  pero es el mismo Rascón Banda quien señala la intención de esta mezcla de castellano, inglés y rarámuri: “hacer sentir al público el conflicto y tortura por la incomunicación”.

Mucho se ha discutido sobre la desigualdad o aislamiento en algunos personajes femeninos como un tema recurrente en las obras del fallecido escritor. Sus familiares han declarado que será este año cuando se realice la creación de la biblioteca digital Víctor Hugo Rascón Banda, con el objetivo de difundir sus obras entre las nuevas generaciones. Esperamos que sea posible la reapertura del archivo de  resguardo con documentos del autor en la biblioteca del Centro nacional de las artes, en un tiempo razonable. 

Jaques Copeu

Una figura importante en el drama de las primeras décadas del siglo 20 es el teórico, director, actor y dramaturgo Jacques Copeau. Considerado como uno de los padres del teatro francés del siglo XX, fundó lo que se convertiría en uno de los teatros más importantes hasta nuestros días: El Vieux Colombier. Para este teatro Copeau había diseñado un espacio con un escenario fijo, donde la puesta en escena contaba solo con cortinas e iluminación, además de un proscenio que permitía la cercanía con la audiencia. Contrario a la usanza de la época, este era un teatro libre de maquinarias, funcional y versátil, pero sin ser recargado. Al parecer buscaba un teatro de simple concepción, armonioso e inspirado tanto en los teatros isabelinos como en las experiencias y correspondencia con Gordon Craig, Adolphe Appia y Constantino Stanislavski.

La relevancia de este teatro fue mucho más allá de su diseño estructura. Igual de novedoso resultó el encargarse de formar un conjunto de actores organizados y entrenados. El objetivo de Copeau, en parte, era la armonía del trabajo en grupo, con lo que pondría en práctica sus teorías sobre la reforma de la práctica del teatro. Para lograr esta tarea, Copeau creyó que actor, dramaturgo, actor, director e incluso el espacio teatral requieren de trabajo en conjunto para así, como parte de una unidad, capturar la integridad intelectual del drama.

El uso de una máscara neutral en el entrenamiento actoral, - al menos en el mundo occidental -, se debe también a Copeau, quien las introdujo dentro del proceso de formación y entrenamiento en su compañía, con el interés de despertar la imaginación de los actores y de dirigir la atención hacia la narración de una historia. Aunque inició ocultando rostros con capuchones y telas, pronto se movió a una máscara neutra primitiva que más tarde derivaría en máscaras con su distintivo.

Las enseñanzas de Copeau a través de sus estudiantes y miembros de la compañía han llegado a influir en el teatro en todo el mundo.  En ello se incluyen: Michael Saint-Denis, Antonin Artaud, Jerzy Grotowski, Marcel Marceaux; además de algunos de los principales programas de teatro como el de la escuela de teatro de Londres, la división del drama de Julliard, Yale, la escuela Jacques Lecoq en Paris y la escuela  nacional de teatro de Canadá. Su legado continúa permeando todos los niveles del teatro actual.