Loop It All

Quiero pensar que quienes han sido participes de una puesta en escena han recurrido a la herramienta - en ocasiones tortuosa -, del ensayo previo, como un proceso lleno de vicisitudes - y realizado incluso después de un estreno -. Ensayar es una medida necesaria, pues es a base de repetición como se logran imprimir una serie de sensaciones que aunados al resto de elementos visuales y auditivos logran comunicación con el espectador. Sin embargo, este proceso genera con frecuencia, cierta clase de tedio y cansancio haciendo que improvisaciones valiosas se pierdan durante el transcurso de sus sesiones al no ser retenidas.

“Loop it All”, un método de improvisación y creación de movimiento, fundado por el costarricense César Alvarado, que tomando como punto de partida el dibujo, utiliza la imaginación, ideas, personalidad, memoria y corporeidad de cada persona

Cesar Alvarado, 

creador de Loop It All

para desarrollar un lenguaje corporal aplicable a la escena. Es una técnica creada con la premisa de retomar improvisaciones con la misma fuerza y frescura con que fueron creadas. ¿Es posible encontrar motivación escénica tomando como punto de partida una pared u otro objeto inanimado? Para Alvarado lo es al observar los detalles: color, material, tamaño, textura, sonido y concepto del objeto en cuestión, pues se “trabaja” con el objeto hasta que cuente una historia. “…abrimos los ojos y ya no es tan abstracto o absurdo, (el objeto) me está hablando, diciendo cosas”. Cualquier cosa que un intérprete vea puede convertirse en detonante para contar una o más historias. La aplicación de esta técnica parte de la propia fisionomía del interprete como instrumento y de su habilidad de archivar exploraciones de movimiento.

Loop It All detalla un proceso de exploración de espacios en donde un personaje entra a un espacio “tomando” con los movimientos de su cuerpo objetos visibles que están a la vista hasta transformarlos, pero “para comprender, hay que estar afilados dirá el creador de esta técnica. Una improvisación puede ser retomada rescatando los mejores momentos, que no solo se repiten, sino que puede convertirse en un diseño mucho más complejo que retiene imágenes y comunica, pues es posible atrapar a la audiencia sin meses de ensayo, con solo abordar el movimiento de una manera creativa. César Alvarado Vega es músico, actor y bailarín profesional, egresado del Conservatorio El Barco y actual director artístico de la compañía Lo que es arriba, una agrupación independiente de arte escénico que desde el año 2010, desarrolla obras de carácter multidisciplinario e imparte talleres sobre esta técnica en diferentes países.

Pastorelas, una tradición vigente

Pastorela en Tepozotlan

Teniendo como antecedente a la novela Pastoril, conserva elementos de este género en boga durante el renacimiento en Italia. Pico de Mirandelo fué Uno de los escritores destacados de esta novela basada en un lugar idílico y bucólico llamado La Arcadia, en el que habitaban pastores, personajes representativos un estado de gracia, absoluta pureza e inocencia quienes además interactuaban alrededor de pequeñas intrigas amorosas.

Las primeras pastorelas presentadas en México suceden durante el período de evangelización tomando a los pastores como ejemplos de pureza, quienes avisados por una visión angélica del nacimiento del Mesías deciden ir a conocerle y adorarle, objetivo saboteado constantemente por asechanzas de Satanás, que se opone a que el Niño-Dios reciba la adoración de la humanidad. La tesis es que si el niño no es adorado, no será reconocido para cumplir con su cometido redentor. Tras muchas fatigas y desencuentros los pastores lograrán su cometido: reconocen y adoran al niño, y Satanás queda derrotado.

No obstante de su función primordial edificadora, el público pronto adopta la pastorela incorporando a textos originales, críticas sobre usos y costumbres de los pueblo, aprovechando con ello la humanidad de los personajes que poco a poco se van transformando en prototipos de determinadas miserias humanas.  Bato se convierte en el prototipo de macho novo hispano;  Bartolo en la encarnación de la pereza -“…Bartolo, despierta, vamos a ver la Gloria. Bartolo (despertando): Si quiere la Gloria verme, que venga la Gloria a mi.”-; Selfa, en la pastora coqueta; Gila, en una persona – hombre o mujer - bondadosa e inocente; y Mengo, quien es representado como el “cornudo”. Existe además el agregado de un personaje incorruptible en la figura de un anciano ermitaño que funge como la conciencia colectiva, una especie de narrador o coro griego. 

Así, los grupos de pastorelas surgen en las vecindades, como tradición familiar, en gremios y hasta por cómicos de la lengua en la misma calle, lejos ya de la pastorela evangelizadora que se representa en los atrios y de la encorsetada pastorela bucólica neoclásica presentada en teatros. Esta apropiación de la pastorela contribuye en gran medida a la popularidad que le distingue al valerse de sus personajes para lanzar todo tipo de críticas políticas y sociales, como al personaje de Lucifer representando a alguna figura política en turno, haciendo con ello que la pastorela asegurara su subsistencia duradera durante los siglos XIX y XX. Algunos autores consideran que si la pastorela hubiese quedado para siempre como un genero de catequesis no hubiera sobrevivido al siglo XVI y es a partir de fines del siglo XVIII e inicios del XIX cuando la pastorela se consagra, a opinión de algunos autores, como un género teatral, teniendo de exponentes Novo hispanos, neoclásicos como Joaquín Fernández de Lizardi - el Periquillo Sarmiento -. No todos los textos se encuentran documentados, sin embargo, la tradición oral ha preservado diálogos y canciones de este género que ha logrado permanencia en el tiempo tan particular como llena  transformaciones que lo convierten en  una tradición.

Don Juan

Uno de los personajes de la literatura más conocidos es sin duda alguna el de “Don Juan”, su historia ha atraído a poetas, músicos, artistas gráficos, cineastas  dramaturgos y artistas de todo el mundo. Tan sólo en México, “Don Juan Tenorio”, la versión de José Zorrilla, estrenada en nuestro país durante el Imperio de Maximiliano ha sido aplaudida durante más de ciento cincuenta años; es una de las piezas en lengua española más representadas… y su éxito continúa.

Jhony Deep en Don Juan Di Marco

La legendaria figura de Don Juan es un todo un ícono, que se desplaza de películas a tiras cómicas, de poemas a telenovelas, de óperas a musicales. No solo ha inspirado el trabajo de artistas, sino que tiene una conexión palpable  en la cultura popular mediante un conocido uso del nombre de Don Juan como adjetivo y símbolo inequívoco del hombre libertino o burlador, al que la Real Academia de la Lengua Española define como un sinónimo de seductor de mujeres.

¿De dónde proviene este afamado ficticio cuya connotación ha trascendido no sólo en el tiempo sino los cánones estéticos del arte? Aunque existen versiones antiguas como la de Andrés de Claramonte y Corroy, Tan largo me lo fiáis, (1614 -1617), la concepción popular de este personaje se atribuye a Tirso de Molina con El burlador de Sevilla y Convidado de Piedra, en 1630. Otras afamadas versiones vendrían después:  No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague, (Antonio de Zamora, 1713); Don Juan o el invitado de piedra (Moliere, 1665); Don Giovanni, (Mozart, 1787) y el conocido texto Don Juan Tenorio, de José Zorrilla, además de El Don Juan triunfante, una ópera imaginaria escrita por el protagonista de El fantasma de la ópera en el musical de Andrew Lloyd Webber.

Hay quienes afirman que este personaje de fama internacional no fue creado por  Molina, Pushkin, Bayron u otro escritor, sino que se conocía desde hacía tiempo en Europa como una leyenda. Sea cual fuese su origen, lo cierto es que la historia de Don Juan cuenta con más de cien variantes en la literatura de diversas lenguas.

80º aniversario de Barba

“El problema real no es aprender, sino aprender a desaprender” Con estas palabras, Eugenio Barba, recibiría en 2014, su más reciente doctorado honoris causa, - de los que suman ya casi una docena –.  Y este año, el aclamado autor y director de teatro italiano está de plácemes por su reciente cumpleaños número 80 para el cual convocó a la comunidad local e internacional a una fiesta que tuvo lugar en Dinamarca a finales del mes de Octubre.  

Barba inició sus estudios en literatura noruega y francesa en la Universidad de Oslo, para luego trasladarse a Polonia con la intención de estudiar dirección en la Escuela Estatal de Teatro de Varsovia, objetivo que dejo de lado con su ingreso en el Teatro de las 13 filas, dirigido por Jerzy Grotowski, en la ciudad de Opole, al sur de Polonia, en el que permanecería por tres años.

Impedido para trabajar como director por su condición como extranjero en Oslo, Noruega, Barba funda  el Odin Teatret con un pequeño grupo de jóvenes que no habían sido aceptados en la Escuela Estatal de Teatro. La base principal de entrenamiento de este grupo recae en ejercicios físicos y vocales; luego de dos años de su creación, el municipio de Holstebro en Dinamarca ofreció una granja y un pequeño apoyo económico para crear ahí un teatro-laboratorio, - el Teatro Laboratorio Nórdico - en el que Barba y su equipo  han permanecido desde entonces. Es en Holstebro donde Barba apertura también un nuevo campo de estudio con la Escuela Internacional de Teatro Antropológico, ISTA. Sus ensayos, en ocasiones escritos para los asistentes a un evento en particular, han tomado el peso de manifiestos para la comunidad teatral de todo el orbe.

Junto con su compañía, el Odin Teatret y el conjunto intercultural Theatrum Mundi Ensemble, ha dirigido 76 producciones en los últimos cincuenta años. Barba es además, miembro del consejo editorial de revistas especializadas  en teatro en diversos países y autor de numerosos ensayos y libros, entre los que destaca: En busca del teatro perdido, el primer libro sobre Grotowski, publicado en Italia y Hungría en 1965.

La sugerencia de regalo con motivo del festejo fue la de realizar aportaciones económicas que serán utilizadas en las actividades culturales del Centro de refugiados que conducen el cuerpo de voluntarios en Holstelbro. Desde 1974, tanto Barba como el Odin Teatret han estado presentes en diferentes contextos sociales, incluido este fenómeno de los desplazados tan palpable en los últimos años.

Eugene Ionesco

Cuando nací, yo tenía casi catorce años de edad. Es por eso que yo era capaz de entender más fácilmente que la mayoría de los que estaban a punto de hacerlo – (Ionesco en) Jack-

Aún recuerdo a un par de amigos esperándome a la salida del teatro al finalizar una función. Sus caras reflejaban una cierta mezcla de exaltación y de asombro ante la función de teatro que acababan de presenciar y que sobrepasaba todas sus expectativas. Se trataba de La cantante calva, la primera y una de las más conocidas obras escrita por Eugene Ionesco.

Con la decisión de aprender otro idioma, el dramaturgo Franco-Rumano se encontró memorizando

Sra. y Sr. Smith (Mayra Gallardo y Carlos Robles)

frases largas de texto. Si bien la repetición de palabras hilvanadas quedó lejos de hacerle hablar con prontitud la nueva lengua, releerlas una y otra vez lo llevo a detenerse en ellas. Que el techo está arriba y el suelo abajo, o en que los meses del año fuesen doce, eran todas obviedades, pero a la vez aparecían como verdades indiscutibles que llevarían al autor a vaciar su experiencia de reencuentro con el lenguaje en los personajes de una obra de teatro. "Un extraño fenómeno tuvo lugar. - comenta Ionesco - No sé cómo el texto comenzó a cambiar de manera imperceptible ante mis ojos. Los enunciados más simples e iluminadamente claros que había copiado tan diligentemente en mi cuaderno, abandonados a sí mismos, fermentado después de un tiempo, perdieron su identidad original, se expandieron y se desbordaron. Los clichés y necedades de la primera conversación, que alguna vez habían tenido sentido... dieron paso a pseudo-clichés y a lugares pseudo-comunes; éstos se desintegraron en la caricatura y parodia salvaje, y el idioma final se desintegró en fragmentos inconexos de las palabras".

Jaime Marizcal, interpreta El Bombero

Escrita en 1948  y estrenada dos años más tarde, La cantante calva quedó lejos de elementos característicos del teatro como el argumento lógico y el desarrollo de personajes. Enmarcando una especie de teatro anárquico, las comedias de Ionesco causaron cierta controversia que le señalaba como un enemigo del realismo del teatro, cosa que lo llevo a escribir a sus críticos explicando que sus obras intentaban revitalizar una forma de comunicación, renovando el lenguaje al tratar de decir cosas de una manera nueva.  El año 1962, sería un período decisivo para Ionesco, pues a doce años del estreno de su primera obra, sería identificado por Martin Esslin como uno de los principales exponentes de lo que el mismo nombraría teatro del absurdo…[que] consiste en expresar el sentido del sinsentido de la condición humana, así como lo inútil del pensamiento racional proponiendo un abandono absoluto de la razón”.

El nuevo término acuñado por Esslin permeo a un mundo en recuperación de posguerra. Para el público esta etiqueta de Ionesco es aún imborrable junto a otros autores “absurdos”, como Samuel Beckett, Jean Genet y  Harold Pinter, quienes adoptaron un nuevo tipo diálogo y de ritmo desafiando el estatus-quo teatral y sus principales postulados de imagen y de narrativa.  

Puesta en escena de Mario H. Chávez (Karyna Rascón, José Morales y Yadira Banda)

APTF: La historia en busca de una audiencia

Constituida hace ocho años con la finalidad de fomentar las prácticas de marionetas en el mundo árabe, la Fundación Teatro de marionetas Árabe, APTF, es un organismo sin fines de lucro que no solo crea espectáculos de títeres sino cuenta con una iniciativa de enseñanza en el uso de marionetas que va métodos relacionados con la fabricación, el rendimiento y el uso de las marionetas en una escuela con sede en Beirut, Líbano que atiende tanto a novels como a artistas experimentados.

Bajo la dirección de su fundador y director artístico Mahmoud Al-Hourari, APTF trabaja con diversidad de organizaciones que fusionan disciplinas artísticas para promover cuestiones sociales y de derechos humanos. Ejemplo de ello es una película en la que se narran experiencias de acoso hacia mujeres en calles árabes, realizada durante 2013, que contó además con impresión de material literario por la misma compañía.

La fundación cuenta además con su propio teatro, que aunado a la escuela de titiriteros, reactiva la tradición en las marionetas árabes en especial entre los jóvenes, realizando estancias y exponiendo proyectos de creación artística, social, rehabilitación y educativa. Sus residencias que abarcan tanto a los títeres de guante como a los de grandes dimensiones, teatro de sombras y espectáculos ambulantes han recibido a cantantes, enfermeros, psicólogos, terapeutas, abogados, educadores, astrónomos, químicos, periodistas y una variedad de personas que comparten el interés común en el arte de los títeres.

Aunque el  trabajo de con personas refugiadas de diversas comunidades que se encuentran en el Líbano cuenta con varios años de experiencia, recientemente han tomado una mayor visibilidad en los medios internacionales, debido a su más reciente espectáculo que se presenta en Londres bajo el título: La historia que necesita urgentemente de una audiencia (A Performance Desperately in Need of an Audience), en la que se narran las causas que obligan a  personas a tomar la determinación de dejar sus lugares de origen y convertirse en desplazados. El espectáculo utiliza  música tradicional, explosiones, silbidos y material de suma fragilidad como cartón y plástico, en clara alusión a las condiciones de vida de miles de refugiados en la actualidad; emplean, como ellos mismos describen el humor, la ligereza, la magia, la alegría y la sátira para considerar – el tema-, más allá de lo puramente trágico o dramático. De este modo, los horrores del exilio se hacen más accesibles al tacto.

La fallida administración de Fermín Gutiérrez y Sergio Reaza:

Fermin Gutierrez/Sergio Reaza

10 programas culturales que dejaron de existir (o sufrieron deterioro) en Ichicult

Laura Doci/Liliana Pedroza/Exprés

La cultura en Chihuahua ha padecido su peor administración estos últimos seis años bajo la tutela de Fermín Gutiérrez Galindo y Sergio Reaza Escárcega, prueba de ello es la desaparición y quebranto de significativos programas de cultura durante el período a su cargo.

El recuento de los daños:

1. Beca David Alfaro Siqueiros

Más de 150 artistas chihuahuenses de la talla de Mario Arras, Felipe Nájera y Adriana Barraza – actriz nominada a los premios Oscar -, firmaron una solicitud para conocer los motivos de la postergación e impedir la desaparición del Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico, mejor conocido como Beca David Alfaro Siqueiros. Contar con un fondo anual de la federación para este programa no impidió que los becarios de la última emisión tuvieran que esperar más de medio año para que se les pagara la primera mensualidad. Con la salida de Fermín llegó Sergio Reaza y un nuevo coordinador de atención a creadores, pero nada se sabe sobre la convocatoria correspondiente a este año. ¿Exceso trabajo impide lanzar la emisión 2016? Nos queda hasta el 31 de Diciembre para averiguarlo.

2. Encuentro Internacional de Escritores Literatura en el Bravo

Un encuentro exitoso que reunía a escritores de distintas nacionalidades y lenguas y donde se otorgaba la Presea Gawí Tonara –recibida por Rigoberta Menchú, Carlos Montemayor, Luis Y. Aragón, entre otros-, tuvo verdadera resonancia internacional pero se fue quedando sin recursos hasta desaparecer. El último encuentro fue en el 2014.

3. Feria Estatal del Libro

Sergio Reaza

Este año la Feria Estatal del Libro fue cancelada en Chihuahua capital y Parral teniendo Ciudad Juárez como única sede debido a que “no había recursos para organizarla”, según declaraciones de Sergio Reaza. No hay que olvidar que la Feria de Libro 2014, con Fermín Gutiérrez como director se vio envuelta en un escándalo por no haber pagado a los escritores que participaron, tal como se declaraba en actas oficiales sobre el manejo de recursos. Además, debido a la pobre gestión de apoyo a escritores chihuahuense para participar en la Feria Internacional del Libro en el Palacio de Minería, que este año tuvo a Chihuahua como estado invitado hubo quien prefirió abstenerse de participar.  Desacertadas omisiones del instituto hablan por sí solas.

4. Festival de Teatro del Siglo de Oro

¿Quién recuerda a los grupos de teatro que representaban a los clásicos como Lope de Vega, Cervantes o Calderón de la Barca? Se trata de puestas en escena que anualmente lograban presentarse en Chihuahua luego de acudir al Festival de Teatro de Siglo de Oro del Chamizal. Parece que ni el ahorro considerable en traslados por su cercanía, ni la calidad de los montajes o la formación de generaciones de estudiantes de nivel medio importaron, pues el programa fue cancelado.  El programa continúa presentándose en Juárez, no por gestión instituto sino del municipio.

5. Muestra Estatal de Teatro

Fermin Gutierrez

En 2014 este evento tuvo resonancia no precisamente por su calidad, sino debido a que la coordinadora de la Muestra Estatal participaba en una de las obras concursantes. Hay buenos esfuerzos por quienes ocuparon luego el puesto de artes escénicas, pero la ausencia de apoyo institucional es notoria con mínima o nula inversión en materia de difusión o la entrega de programas a destiempo –cuando los hay-. Si la afluencia de audiencia fuese prioritaria veríamos llenas cada una de las funciones -nota para estudiantes: conseguir un auto o dejar sus cosas bajo un arbusto, prohibido el ingreso de alimentos ¡y mochilas! –

La emisión de este año retiró apoyos a montajes seleccionados y repercutió en la disminución de participantes. Es curioso pensar que el préstamo de un espacio es suficiente para las compañías de teatro y pareciera que la lógica es que mientras los funcionarios cobran, los artistas deben trabajar gratis. Eso sí, los créditos de dependencias y autoridades serán de lo más visible.

6. Programa de publicaciones

Este programa de apoyo a la publicación de escritores locales también tuvo su última convocatoria en 2015, pero desde años anteriores había dejado de cumplir su cometido dando largas para sacar los libros ganadores y los que han sido publicados padecen de una mala distribución comúnmente conocida como “embodegamiento” –llámese así a la retención de ejemplares encerrados con imperceptible movimiento de circulación, amén de la posibilidad de absorción de goteras en días lluviosos-. Material que bien podrían estar a disposición de los usuarios en la Biblioteca Carlos Montemayor, que tienen a su cargo – donde por cierto, tampoco se permite el acceso con mochilas o bolsos de mano: sea usted tan amable de dejar sus pertenencias bajo su propio riesgo-. Buena suerte tratando de encontrar la colección completa de publicaciones en este recinto.

7. Proyectos inacabados y aplazamiento de pagos

 Aún podemos ver inconclusos tanto el edificio del Ichicult que iba a ser una galería como el espacio reservado para un archivo histórico y colecciones especiales.  Sería interesante saber que tampoco hay dinero para ellos, a pesar de los recortes de personal y de documentos oficiales que apuntan el gasto de casi 1 millón de pesos en la inexistente Biblioteca Digital de Lenguas Originarias de Chihuahua. Pareciera fuera de lógica una inversión cuantiosa pese a la carencia más que evidente de material en la biblioteca Montemayor.

Existen convocatorias con requerimientos profesionales que ofertan el mismo monto de apoyo otorgado en concursos catalogados como aficionados. ¿De verdad se pretende incentivar la profesionalización en la cultura y las artes con ello?. Apoyos y subvenciones se han entregado con meses de retraso sin importar fechas de pago programadas, ejemplo de ello son varios de los talleres artísticos realizados por el departamento de públicos específicos así como presentaciones del Festival Internacional Chihuahua – aunque al parecer solo sucede con artistas locales -. ¿Acaso se detienen las quincenas del director del instituto? Sería una buena idea verles trabajar a la espera de su pago con meses de retraso al igual que los artistas a quienes deberían apoyar.

    8. Revista Solar

La publicación de la revista Solar desapareció en papel nada más entrar Fermín Gutiérrez. El intento de modernizarla sólo tuvo 1 o 2 números digitales. Cosa curiosa es que no se haya enlazado la versión digital a la página electrónica del instituto, quizá porque tampoco hay dinero para volver los medio electrónicos efectivos y con información actualizada de sus dirigentes. Sergio Reaza retomó el proyecto de Solar, aunque si salió algún número no tuvo visibilidad –posiblemente porque no tuvo distribución en el estado-. Nada se sabe de este proyecto.

9. Teatros

Llama la atención sobre manera que los teatros se renten con suma facilidad para ceremonias, graduaciones y eventos que no requieren instalaciones especializadas, pero complica la usanza de estos espacios a creadores. Tarifas poco accesibles y la falta de negociación para el cumplimiento de requerimientos exhaustivos de protección civil son algunas de las insuficiencias del instituto en este rubro.

En 2006 se remodelaron los teatros, pero al día de hoy parecen padecer falta de mantenimiento, basta echar un vistazo tan solo al área de sanitarios, – no solo de los teatros sino de varios recintos del instituto -. Aquí aplica muy bien aquella frase de comensales: “si no se cuida el baño que es lo que está a la vista, imagínense la cocina”.

10. Prestaciones de la Orquesta Filarmónica del Estado vs aumento de ingresos del director del Instituto Chihuahuense de la Cultura

La Orquesta Filarmónica del Estado trabaja en condiciones precarias y sin certeza laboral pues no tienen una prestación tan básica como la jubilación.  Sergio Reaza se comprometió a realizar la “basificación” y prestaciones de integrantes de la OFECH en el Septiembre de este año. ¿Alguna noticia sobre ello?

El considerable aumento de ingresos de Sergio Reaza Escárcega desde el inicio de su cargo, contradice el argumento de falta de recursos para realizar los programas previstos.  El instituto enuncia este incremento “a fin  de  que  el sueldo  total  correspondiente  al  del  Director  se  equiparara  a  la  percepción  de  un  director de  un  Organismo  Público  Descentralizado  de  Gobierno del  Estado”.   ¿Sería esta la “evolución” cultural de la que Reaza habló al asumir el cargo? ¿Dónde queda aquella declaración del instituto sobre “unos ajustes y cambios que vendrán a mejorar la atención y la gestión de recursos”?

Recordemos que el presupuesto anual del instituto agrupa fondos estatales, federales e iniciativa privada y asciende a más de 132 millones de pesos anuales-.  Con la desaparición y recorte de estos programas ¿dónde quedó el presupuesto que nos pertenece como ciudadanos? Después de estos largos 6 años de sequía cultural, el Ichicult ha quedado como se encuentra actualmente la casa que lo alberga, deshabitada y llena de fantasmas de antiguas glorias.

ver en el muro de ciudadania por la cultura

Publicaciòn en Chihuahua Exprès