Noé Alvarado: Toda una vida en la Danza

Presentación de flamenco en Chihuahua

Noé Alvarado Lozano

Cuando una niña ingreso por vez primera en una academia de ballet lo hizo llevando consigo a un acompañante, se trataba de su hermano menor, quien a sus siete años de edad deseó como ella incursionar en la danza, pero impedido de tomar una clase destinada solo para un grupo de niñas, aprendía los pasos y movimientos para luego repetirlos en casa. Sería hasta la adolescencia cuando este joven descubriría una escuela de baile en la que por fin sería admitido. Martín Lemus y el propio Sergio Unger serían sus primeros maestros.

 A los dieciséis años el joven Noé Alvarado había aprendido flamenco y contaba con excelente técnica de ballet clásico, lo que le permitió formar parte del cuerpo del Ballet Concierto de México, - que más tarde se convertiría en la Compañía Nacional de Danza (CND) -, en donde seguiría escalando hasta ser un solista. De ahí seguirían premios en concursos de baile en televisión y apariciones en programas como el de Enrique Alonso `Cachirulo´, giras a Grecia, Estados Unidos, el Pacífico, entre otros destinos.

Premiación en palacio
          de Bellas Artes

Oriundo de la ciudad de México (13 de junio de 1936), a invitación expresa se traslada a Chihuahua para trabajar como bailarín - y posteriormente como maestro -, en un tiempo en donde “no había teatros ni auditorio”, pero sí un cine colonial en donde bailó, e incluso una escuela que llego a honrarlo poniéndole su nombre.

Noé Alvarado Lozano, ha recibido importantes homenajes, entre los que destaca el de “Toda una vida en la Danza”, un reconocimiento a quienes con sus aportaciones y trayectoria sobresaliente han contribuido a esta disciplina. El reconocimiento organizado por la Academia Mexicana de la Danza y del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), se realizó en la ciudad de México en 1997. Diez años más tarde también se haría acreedor, como creador emérito, a la beca David Alfaro Siqueiros

Noé Alvarado (archivo)

Sobre el abismo en materia de cultura en esta entidad comenta: “Aquí falta apoyo, el arte necesita mucho apoyo para que la gente se dedique a lo que está haciendo… si no hay apoyo, no hay nada, debe haberlo para todas las artes en Chihuahua”. Hoy, con una excelente condición física y mental, continúa enseñando como docente universitario en la facultad de artes de la UACH, en donde conmina a los jóvenes artistas a trabajar con ahínco y a terminar las cosas que inicien. (Yo) “los últimos años que me queden de vida, los quiero aprovechar para dar”

Fringe

Uno de los más grandes festivales de las artes en el mundo es el Festival de teatro de Edimburgo, mejor conocido como Fringe Festival, celebrado por forma consecutiva durante sesenta años.

En 1947 surgiría una novedosa iniciativa cuyo objetivo era acrecentar la vida cultural de Europa luego de la segunda guerra mundial: el Festival Internacional de Edimburgo. Sin formar parte de la programación oficial, ocho grupos hicieron acto de presencia en el mencionado festival, pero la falta de invitación no los detuvo para realizar su presentación sino que presentaron sus espectáculos a la orilla o franja del festival, de donde derivaría su futuro nombre de “fringe”; durante los nueve años consecutivos otros artistas imitarían su ejemplo hasta que la “sociedad de franja” – formalizó la existencia de un colectivo que continuaría con las actuaciones que irían en aumento, brindando espacio a los espectáculos que con frecuencia no tuviesen cabida en otros festivales. 

De ahí partirían extendiéndose a diferentes sedes en el mundo: Hollywood, Toronto, 

Australia, Rumania, Indonesia, Sudáfrica, Londres, Tokio, Nueva Zelanda. Tan solo en 2016 el Festival Fringe contó con más de 3,000 espectáculos en 294 lugares, colocándose con ello como el más grande festival a nivel mundial.

¿Qué es lo que hace único este evento en todo el orbe? “Alternativo, independiente, creativo y audaz”, es como se autodefine la sede de este festival de las artes escénicas en San Miguel, donde ha celebrado ya su tercera emisión como “el primer fringe bilingüe en Latinoamérica y el único en México”.

El Festival Fringe ofrece un amplio catálogo de espectáculos a nivel internacional:  infantiles, musicales, teatro físico y experimental, cabaret, comedia, ópera, musicales, palabra hablada, así como música, exposiciones y eventos. Cada año publica su programa y pone a la venta los boletos además de ofrecer asesoramiento tanto a los artistas como a la audiencia, quienes con mayor frecuencia prefieren la comedia debido a los conocidos premios de la comedia de Edimburgo, que han lanzado a la fama a un gran número de actores británicos.

Por siempre Elenísima

2016 fue el año de la conmemoración del natalicio número cien de Elena Garro, la dramaturga y cuentista mexicana pionera de las letras y literatura de su tiempo, cuya trascendencia impresa en el tan característico realismo mágico de sus escritos constituye una de sus grandes contribuciones. Tal como la describe el periodista Rafael Cabrera, “Elena Delfina Garro Navarro fue registrada el 7 de febrero de 1917, en la misma ciudad en que nació. Elena fue gachupina, hija de padre español y madre mexicana, y esa dualidad la marcaría toda su vida”. Oriunda de Puebla (11 de diciembre de 1916), Garro atesoró un sinnúmero de recuerdos de su infancia que posteriormente permearían la vastedad de su obra: guiones cinematográficos, cuentos, obras de teatro, novelas…  y fue con este género literario con el que se haría acreedora al premio Xavier Villaurrutia en 1964, con “Recuerdos del porvenir”.  Sobre ella, Olmos de Ita dirá que: “transitaba libremente entre géneros…apareció casi por generación espontánea en el teatro mexicano”. Esta breve incursión constituyó un momento clave pues “hasta la arrebatada aparición de Elena Garro, autores y directores de escena dominaban el teatro nacional…” continúa Olmos.

Ed. Dracena retiró el cintillo 

La controversia que acompañó a la figura de Elena Garro en vida también se ha hecho presente en este centenario de su nacimiento en el que diversas universidades, grupos e instituciones se han dado a la tarea de rendirle un merecido homenaje, con publicaciones, charlas y representaciones en torno a su obra. Tal es el ejemplo del cintillo que acompañó el libro “Recuento de personajes, de Elena Garro”, en el que se describe a la escritora como: “Mujer de Octavio Paz, amante de Bioy Casares, inspiradora de García Márquez y admirada por Borges”. Aunque luego de fuertes críticas, la editorial española ofreció una disculpa pública, invitando a las librerías a retirar la faja del libro, las reacciones en torno al acontecimiento no se hicieron esperar. Buzzfeed publicó una nota al respecto con cintillos similares para conocidos autores a fin de dimensionar la gravedad del asunto: “Inspirados en el cintillo ese de Elena Garro, decidimos hacer nuestras propias versiones. Sartre, conoce al amante de Simone de Beauvoir; Jorge Luis Borges, batedo por muchas. Esposo de Maria Kodama, escritora, traductora y profesora de literatura argentina; Ted Hugnes, el poeta que se casó con Silvia Plath…”

Otra polémica en torno a la autora se suscitó por un rompimiento al acuerdo editorial para la aparición de Elena Garro en la portada de la publicación de la revista Tierra Adentro. Ante esta negativa se elaboró una solicitud al entonces secretario de cultura Rafael Tovar y de Teresa, a la que se sumarían organizaciones e individuos.  La petición puntualizó que “desde hace once años, tras 21 dosieres dedicados a escritores, este es el primero que la revista Tierra Adentro dedica a una escritora”. La solicitación puntualizó además que ni siquiera Elena Poniatowska haya contado con un número especial en esta revista, a pesar de que los cinco mexicanos que como ella, obtuviesen el Premio Cervantes, gozaran de una edición en su honor. ¿Sesgo de género? Al final se respetó el acuerdo pactado. La revista numero 219 salió a la luz, con el encabezado “La vida empieza a los cien” y una imagen de Garro, además de artículos con un grupo de especialistas - Enrique Olmos de Ita, Rafael Cabreara, Conrado J. Aranz, María Fernanda Ampuero, Marcela Magdaleno, Guillermo Espinoza Estrada, Liliana Pedroza, Lucía Melgar y Eve Gil -, quienes abordan la diversidad de obra de Garro.

Semejante a la fama de otras artistas, la vida personal escritos de Garro tomaron tono al lado de adjetivos aciagos. Al respecto Liliana Pedroza, investigadora del cuento mexicano escrito por mujeres comenta: “El problema no es que el carácter o la condición de estas mujeres artistas haya sido así – refiriéndose a los calificativos vejatorios con los que se les enlaza -, si no que eso las defina y sea el único prisma con que se trate de entender su vida y su obra. Elena Garro no fue la excepción”.  Harían falta una gran cantidad de palabras para describir por completo a la escritora, luchadora social, mujer con autenticidad y a su legado. Su obra la coloca como un referente ineludible de la literatura Latinoamericana. 

"Ándele, ¿qué se siente?" Emu/Buzzfeed

 "Ay, pobre Borges, lo que tenía de genio lo tenía de feo". 
Alianza / BuzzFeed

DeBolsillo / BuzzFeed

Así serían los libros si las editoriales hablaran de los hombres como hablan de las mujeres

¿Quién le teme a Elena Garro?

Dossier dedicado a Elena Garro en la revista 

Tierra Adentro (Fotografías de Laura Doci)

Loop It All

Quiero pensar que quienes han sido participes de una puesta en escena han recurrido a la herramienta - en ocasiones tortuosa -, del ensayo previo, como un proceso lleno de vicisitudes - y realizado incluso después de un estreno -. Ensayar es una medida necesaria, pues es a base de repetición como se logran imprimir una serie de sensaciones que aunados al resto de elementos visuales y auditivos logran comunicación con el espectador. Sin embargo, este proceso genera con frecuencia, cierta clase de tedio y cansancio haciendo que improvisaciones valiosas se pierdan durante el transcurso de sus sesiones al no ser retenidas.

“Loop it All”, un método de improvisación y creación de movimiento, fundado por el costarricense César Alvarado, que tomando como punto de partida el dibujo, utiliza la imaginación, ideas, personalidad, memoria y corporeidad de cada persona

Cesar Alvarado, 

creador de Loop It All

para desarrollar un lenguaje corporal aplicable a la escena. Es una técnica creada con la premisa de retomar improvisaciones con la misma fuerza y frescura con que fueron creadas. ¿Es posible encontrar motivación escénica tomando como punto de partida una pared u otro objeto inanimado? Para Alvarado lo es al observar los detalles: color, material, tamaño, textura, sonido y concepto del objeto en cuestión, pues se “trabaja” con el objeto hasta que cuente una historia. “…abrimos los ojos y ya no es tan abstracto o absurdo, (el objeto) me está hablando, diciendo cosas”. Cualquier cosa que un intérprete vea puede convertirse en detonante para contar una o más historias. La aplicación de esta técnica parte de la propia fisionomía del interprete como instrumento y de su habilidad de archivar exploraciones de movimiento.

Loop It All detalla un proceso de exploración de espacios en donde un personaje entra a un espacio “tomando” con los movimientos de su cuerpo objetos visibles que están a la vista hasta transformarlos, pero “para comprender, hay que estar afilados dirá el creador de esta técnica. Una improvisación puede ser retomada rescatando los mejores momentos, que no solo se repiten, sino que puede convertirse en un diseño mucho más complejo que retiene imágenes y comunica, pues es posible atrapar a la audiencia sin meses de ensayo, con solo abordar el movimiento de una manera creativa. César Alvarado Vega es músico, actor y bailarín profesional, egresado del Conservatorio El Barco y actual director artístico de la compañía Lo que es arriba, una agrupación independiente de arte escénico que desde el año 2010, desarrolla obras de carácter multidisciplinario e imparte talleres sobre esta técnica en diferentes países.

Pastorelas, una tradición vigente

Pastorela en Tepozotlan

Teniendo como antecedente a la novela Pastoril, conserva elementos de este género en boga durante el renacimiento en Italia. Pico de Mirandelo fué Uno de los escritores destacados de esta novela basada en un lugar idílico y bucólico llamado La Arcadia, en el que habitaban pastores, personajes representativos un estado de gracia, absoluta pureza e inocencia quienes además interactuaban alrededor de pequeñas intrigas amorosas.

Las primeras pastorelas presentadas en México suceden durante el período de evangelización tomando a los pastores como ejemplos de pureza, quienes avisados por una visión angélica del nacimiento del Mesías deciden ir a conocerle y adorarle, objetivo saboteado constantemente por asechanzas de Satanás, que se opone a que el Niño-Dios reciba la adoración de la humanidad. La tesis es que si el niño no es adorado, no será reconocido para cumplir con su cometido redentor. Tras muchas fatigas y desencuentros los pastores lograrán su cometido: reconocen y adoran al niño, y Satanás queda derrotado.

No obstante de su función primordial edificadora, el público pronto adopta la pastorela incorporando a textos originales, críticas sobre usos y costumbres de los pueblo, aprovechando con ello la humanidad de los personajes que poco a poco se van transformando en prototipos de determinadas miserias humanas.  Bato se convierte en el prototipo de macho novo hispano;  Bartolo en la encarnación de la pereza -“…Bartolo, despierta, vamos a ver la Gloria. Bartolo (despertando): Si quiere la Gloria verme, que venga la Gloria a mi.”-; Selfa, en la pastora coqueta; Gila, en una persona – hombre o mujer - bondadosa e inocente; y Mengo, quien es representado como el “cornudo”. Existe además el agregado de un personaje incorruptible en la figura de un anciano ermitaño que funge como la conciencia colectiva, una especie de narrador o coro griego. 

Así, los grupos de pastorelas surgen en las vecindades, como tradición familiar, en gremios y hasta por cómicos de la lengua en la misma calle, lejos ya de la pastorela evangelizadora que se representa en los atrios y de la encorsetada pastorela bucólica neoclásica presentada en teatros. Esta apropiación de la pastorela contribuye en gran medida a la popularidad que le distingue al valerse de sus personajes para lanzar todo tipo de críticas políticas y sociales, como al personaje de Lucifer representando a alguna figura política en turno, haciendo con ello que la pastorela asegurara su subsistencia duradera durante los siglos XIX y XX. Algunos autores consideran que si la pastorela hubiese quedado para siempre como un genero de catequesis no hubiera sobrevivido al siglo XVI y es a partir de fines del siglo XVIII e inicios del XIX cuando la pastorela se consagra, a opinión de algunos autores, como un género teatral, teniendo de exponentes Novo hispanos, neoclásicos como Joaquín Fernández de Lizardi - el Periquillo Sarmiento -. No todos los textos se encuentran documentados, sin embargo, la tradición oral ha preservado diálogos y canciones de este género que ha logrado permanencia en el tiempo tan particular como llena  transformaciones que lo convierten en  una tradición.

Don Juan

Uno de los personajes de la literatura más conocidos es sin duda alguna el de “Don Juan”, su historia ha atraído a poetas, músicos, artistas gráficos, cineastas  dramaturgos y artistas de todo el mundo. Tan sólo en México, “Don Juan Tenorio”, la versión de José Zorrilla, estrenada en nuestro país durante el Imperio de Maximiliano ha sido aplaudida durante más de ciento cincuenta años; es una de las piezas en lengua española más representadas… y su éxito continúa.

Jhony Deep en Don Juan Di Marco

La legendaria figura de Don Juan es un todo un ícono, que se desplaza de películas a tiras cómicas, de poemas a telenovelas, de óperas a musicales. No solo ha inspirado el trabajo de artistas, sino que tiene una conexión palpable  en la cultura popular mediante un conocido uso del nombre de Don Juan como adjetivo y símbolo inequívoco del hombre libertino o burlador, al que la Real Academia de la Lengua Española define como un sinónimo de seductor de mujeres.

¿De dónde proviene este afamado ficticio cuya connotación ha trascendido no sólo en el tiempo sino los cánones estéticos del arte? Aunque existen versiones antiguas como la de Andrés de Claramonte y Corroy, Tan largo me lo fiáis, (1614 -1617), la concepción popular de este personaje se atribuye a Tirso de Molina con El burlador de Sevilla y Convidado de Piedra, en 1630. Otras afamadas versiones vendrían después:  No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague, (Antonio de Zamora, 1713); Don Juan o el invitado de piedra (Moliere, 1665); Don Giovanni, (Mozart, 1787) y el conocido texto Don Juan Tenorio, de José Zorrilla, además de El Don Juan triunfante, una ópera imaginaria escrita por el protagonista de El fantasma de la ópera en el musical de Andrew Lloyd Webber.

Hay quienes afirman que este personaje de fama internacional no fue creado por  Molina, Pushkin, Bayron u otro escritor, sino que se conocía desde hacía tiempo en Europa como una leyenda. Sea cual fuese su origen, lo cierto es que la historia de Don Juan cuenta con más de cien variantes en la literatura de diversas lenguas.

80º aniversario de Barba

“El problema real no es aprender, sino aprender a desaprender” Con estas palabras, Eugenio Barba, recibiría en 2014, su más reciente doctorado honoris causa, - de los que suman ya casi una docena –.  Y este año, el aclamado autor y director de teatro italiano está de plácemes por su reciente cumpleaños número 80 para el cual convocó a la comunidad local e internacional a una fiesta que tuvo lugar en Dinamarca a finales del mes de Octubre.  

Barba inició sus estudios en literatura noruega y francesa en la Universidad de Oslo, para luego trasladarse a Polonia con la intención de estudiar dirección en la Escuela Estatal de Teatro de Varsovia, objetivo que dejo de lado con su ingreso en el Teatro de las 13 filas, dirigido por Jerzy Grotowski, en la ciudad de Opole, al sur de Polonia, en el que permanecería por tres años.

Impedido para trabajar como director por su condición como extranjero en Oslo, Noruega, Barba funda  el Odin Teatret con un pequeño grupo de jóvenes que no habían sido aceptados en la Escuela Estatal de Teatro. La base principal de entrenamiento de este grupo recae en ejercicios físicos y vocales; luego de dos años de su creación, el municipio de Holstebro en Dinamarca ofreció una granja y un pequeño apoyo económico para crear ahí un teatro-laboratorio, - el Teatro Laboratorio Nórdico - en el que Barba y su equipo  han permanecido desde entonces. Es en Holstebro donde Barba apertura también un nuevo campo de estudio con la Escuela Internacional de Teatro Antropológico, ISTA. Sus ensayos, en ocasiones escritos para los asistentes a un evento en particular, han tomado el peso de manifiestos para la comunidad teatral de todo el orbe.

Junto con su compañía, el Odin Teatret y el conjunto intercultural Theatrum Mundi Ensemble, ha dirigido 76 producciones en los últimos cincuenta años. Barba es además, miembro del consejo editorial de revistas especializadas  en teatro en diversos países y autor de numerosos ensayos y libros, entre los que destaca: En busca del teatro perdido, el primer libro sobre Grotowski, publicado en Italia y Hungría en 1965.

La sugerencia de regalo con motivo del festejo fue la de realizar aportaciones económicas que serán utilizadas en las actividades culturales del Centro de refugiados que conducen el cuerpo de voluntarios en Holstelbro. Desde 1974, tanto Barba como el Odin Teatret han estado presentes en diferentes contextos sociales, incluido este fenómeno de los desplazados tan palpable en los últimos años.