Mujeres reales

Ensayo

Los personajes cotidianos, las mujeres reales, son los personajes favoritos para interpretar de Liz Mirel Cázares Torres. Quizá esta preferencia sea por la esencia de estos personajes, a menudo cargados de pensamientos que deben ser dichos en voz alta. Así, con estas mujeres… “las más humanas, no tan dibujadas”, hemos visto su interpretación en el monologo “La revolución de Jesusa”, texto que adaptó de la novela de Poniatovska “Hasta no verte Jesús mío”.

Liz Mirel nace en ciudad Jiménez, en una época en la que era poco común para las familias chihuahuenses impulsar actividades artísticas, “…aparte de que no había posibilidades, tampoco estaban muchos lugares”, dice en referencia. “…empezaban aperturas artísticas … gané una media beca para estudiar música… pero lo artístico no era posible en casa”.  A pesar de ser aleccionada para no levantar la mano cuando pidieran participantes para los festivales escolares, de niña participaba en bailes, coros y declamaciones, “… cierto que no la levantaba, pero me elegían”; la visión familiar “era más bien … que las expresiones artísticas no tenían razón de ser, no llevaban a algo bueno…”. Por ello obtendría como respuesta dedicarse a otra cosa al expresar su deseo de ser actriz.  Pero eso no la limito.

Con el actor Owaldo Terrés

Estudio en la normal de Saucillo y durante su internado encontró un abanico de posibilidades para desarrollarse, entre ellas la actuación, “a partir de entonces, he venido salvando esa parte”, dice.  En los años 80´s conoció a Fernando Saavedra y más tarde se uniría al elenco de una de sus pastorelas. Así, combinando su experiencia como docente y creadora teatral, Cázares dirigió con un grupo de niños de 6 a 9 años, talleres de improvisación, además del montaje “Los tiempos están cambiando”, de Francisco Hinojosa, obra con la que ella y Ernesto Medina obtuvieron el primer lugar en la muestra infantil de teatro y que los llevaría a representar al estado en la muestra nacional en el 2004.

Luis Enrique Armenta, Moises, Rocío Vences y Liz Mirel

Al hablar sobre educación artística Cázares cuestiona la implementación de esta asignatura en el nivel básico pues, aunque la clase existe es común utilizarla para lograr un promedio aceptable en los alumnos y considera indispensable una educación integral; “…una persona que se dedica al arte es una persona crítica …muy abierta …muy libre… tengo esperanza de que – el interés por fomentar el arte -  se abra más hacia el desarrollo desde abajo, que se le dé apoyo a la niñez”. Su propia formación artística ha permeado a sus alumnos de primaria: “tengo la satisfacción de tener exalumnos – hombres y mujeres – que han seguido una carrera artística”. Liz Mirel ha explorado los campos de la música, danza y poesía, entre otros muchos, ella es una mujer real y extraordinaria, como los personajes que goza interpretar.

Monólogo interpretado por Cázares

Ningún pueblo sin cultura: Entrevista a Alejandro Navarrete. 2da. parte

Entrevista a Alejandro Navarrete

Parte 2

Las primeras experiencias en el cine de Alejandro Navarrete fueron bajo la dirección de Juan Pablo Cortes ‘… era en blanco y negro y todavía usábamos… la típica cámara de 35… escuchar un ruidito especial que hace…y la presión de no equivocarte… fue muy grata esa experiencia’

El año 2009 presentaría la oportunidad de participar en El traspatio, una película de gran formato de Carlos Carrera, y en Chico grande bajo la dirección de Felipe Cazals al año siguiente. Será con la producción de Villa, itinerario de una pasión, cuando Alejandro obtenga su primer protagónico en la pantalla grande. Actualmente da vida a "El zopilote" en la serie-novela de Telemundo El señor de los cielos, que en el mes de marzo iniciara su sexta temporada. 

Navarrete, protagonizando Villa, itinerario de una pasión

Sobre la situación cultural en Chihuahua opina ‘…en pocos años está tomando mucha fortaleza … es muy padre que haya movimiento, que se junten los creadores …nosotros mismos propiciar los espacios…se necesitan muchos apoyos…tenemos que apoyarlos desde la familia hasta nuestras instituciones, exigir siempre un apoyo a todos los rubros artísticos’.

Alejandro es "El Zopi"
en El Señor de los cielos

Alejandro profesa un gran cariño por el teatro que pone de manifiesto: ‘El teatro… sigue siendo una escuela para siempre, la oportunidad… de poder renovarte en todos los sentidos, siempre te deja algo mucho más fuerte... El cine es una experiencia, lo que pasa es que es muy difícil que se dé, en México es muy difícil, inclusive una vez que quedas en una película y que la realizan, no es garantía de que salga comercialmente… es difícil…Yo creo que el teatro siempre tiene que existir para un actor’.  Y a quienes tienen una inquietud por las artes recomienda probarse y hacer lo que dicte su corazón, recordando que ‘se vale también equivocarse’.


      ‘El teatro es un alimento para el espíritu, ojalá que haya gente que, si se siga interesando, que se siga formando… que no muera algo tan importante para el desarrollo artístico de cualquier pueblo…’  Y concluye citando a García Lorca: "un pueblo sin cultura, si no está muerto, esta moribundo".

Alejandro Navarrete Jurado, histrión chihuahuense.

Actuación, proyecto de vida

Entrevista a Alejandro Navarrete

Parte 1

 ‘…Según yo iba a ser cantante…desde muy pequeño me gustaba el canto, el baile, la actuación no la tenía muy consiente [pero] jugaba mucho… me gustaba mucho hacer escenarios o utilizar utilería…

Con estas palabras Alejandro Navarrete Jurado narra los recuerdos sobre el interés en su actual profesión. Hombre sencillo y accesible, Alejandro es padre de tres hijos, devoto esposo y el segundo de tres hermanos de una familia en donde ‘siempre me apoyaron… yo me acuerdo que me ayudaban a conseguir la madera, los clavos, lo que fuera…’

Alejandro Navarrete, actor 

Fue durante una clase de español de secundaria que despertó su interés en la actuación y posteriormente se integraría al taller de teatro de Nacho Medrano en donde se adentro mas en este arte escénico, dirigiendo su primera obra. De ahí recibiría una invitación para integrarse a la Asociación De Teatristas Unidos De Chihuahua (ATUCH) ‘Nos decían ‘los atuchitos’, porque éramos los más jóvenes… fue una época de mucho teatro... tengo mas recuerdos de estar ensayando, de estar dando funciones que de las clases…’

Así, Navarrete continuaría haciendo teatro cada vez más profesional, recibiendo una mención honorifica en una muestra municipal de teatro por su adaptación y dirección de ‘La ratonera’, de Ágata Christie. De ahí se integraría al grupo de teatro de Enrique Hernández Soto en el ITESM, al que años más tarde retornara para dirigir varias puestas en escena.

Luego de superar cada una de las audiciones logró su ingreso en el foro de teatro contemporáneo, donde realizaría sus estudios formales de teatro, - y recibiendo clases de actuación con Julieta Egurrola como instructora, durante el primer año-. Después formaría parte del elenco del que sería el último montaje de Ludwik Margules, ‘Noche de Reyes’, y antes en ‘Camino rojo a Sabaiba’, montaje que significo un antes y un después en la vida de Alejandro. ‘Fue como un parteaguas… otra forma de ver el teatro, la actuación…el teatro es un proyecto, una forma de vida en que tienes que renunciar a muchas cosas.’

Becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y acreedor al estímulo David Alfaro Siqueiros Alejandro es un excelente interprete que se desenvuelve en teatro, cine y televisión.

Trayectoria en danza contemporánea

                                           

Sagrario Silva. Fotografia: Arturo Torrija

“¿Cómo empecé en la danza?  Pues siempre me gusto, desde muy pequeña…lo que más me marcó así para la danza… la estética del movimiento”. Con estas palabras Sagrario Silvia Vélez describe su actual oficio y pasión por la danza contemporánea. De niña recuerda haber visto una transmisión de Ballet Teatro del Espacio en un canal cultural: “…estos cuerpos, como se movían, como danzaban estas figuras femeninas y masculinas…  eran movimientos que decían muchísimo… me marcó cuando lo vi”,

Así iniciaría una búsqueda hacia la expresión física, participando en gimnasia olímpica y atletismo. Luego, a la par de sus estudios de secundaria ingresó al Taller de danza contemporánea del Ibart. “Conocí a la maestra Luly Ordoñez… fue cuando comencé a ver la danza contemporánea así realmente… encontré mi vida”.  La formación de Silva continuo con una variedad de maestros y cursos entre los que destacan las clases con Patricia Corona, maestra de danza clásica y contemporánea, además de su participación en el Festival Internacional de danza contemporánea Lila López en San Luis Potosí, al que asistió como becaria en varias emisiones, pues considera que estar a la vanguardia en el propio trabajo abre perspectivas y fortalece. Al ser cuestionada sobre el desarrollo de este último aspecto en la cultura de Chihuahua opina que “está creciendo”, aunque “no como debiera” y añora los momentos en que los creadores podían extender su trabajo más allá de una presentación escénica aperturando espacios de dialogo. 

Con una amplia gama de conocimientos sobre danza contemporánea Sagrario iniciaría en Aldama la Casa de la Cultura “Arturo Norte García”, una iniciativa de trabajo con niñas, niños y adolescentes de escasos recursos. Tiempo después funda bajo el nombre Nellie Campobello, dos instancias: el grupo de danza y teatro (1994), y el festival de danza contemporánea en Chihuahua (1999); y fue justo como reconocimiento a su trayectoria artística en esta y otras áreas que le fueron entregados el premio Aurora Reyes y la medalla Rascón Banda en 2017, ademas del premio pacmyc en su emision 2018. En hora buena!

Nije niwima echi. Réquiem por un maestro, a un año de su partida.

Homenaje al maestro en el congreso del estado Me hubiera gustado trabajar más tiempo con el profe Pepe. Tengo la impresión de que disfrutaba el arte por cuanto conocía de el. Desde muy joven se mudó a Chihuahua para continuar sus estudios, pero tuvo la decisión de dedicar su tiempo libre a tomar clases de danza con el maestro Sergio Franco. Fue este quien lo encaminó a hurgar en libros los períodos históricos del arte y plasmar sus investigaciones en bocetos que más tarde se convertirían en vestuarios para todo tipo de espectáculos, algunos de los cuales llego a confeccionar el mismo cuidando cada detalle.   Era un erudito. Sabía los pormenores de cada época histórica de los montajes en que participaba: colores, texturas, formas, estilos... por eso rasgo un vestido de arriba abajo, luego de que una actriz lo mandar arreglar para usarlo con un escote – a su ver - más favorecedor. Cosa interesante que el único reconocimiento que obtuvo esa obra fuese en vestuario, con un premio nacional. Pero José Pérez no solo sabía de telas, colores y encajes, sus conocimientos no se limitaron a la danza, el teatro o las artes plásticas, aunque también obtuvo un premio nacional en dramaturgia. De forma constante leía y viajaba presenciando espectáculos de cada disciplina artística. Tal vez de ahí nació su amor por las artes, o quizá fue su espíritu investigador el que lo instó a aprender para luego derramar el conocimiento sobre las aulas a manos llenas. Creo que no volví a mirar un edificio igual después de su encargo, al finalizar una clase de historia del arte, de observar la arquitectura con más detalle. Y viendo la Quinta Gameros, me cuesta imaginar las condiciones adversas en que se encontrara antes de que Pérez solicitara delimitar el recinto para actividades culturales. Influencia de muchos, un sinfín de creadores se abrieron horizontes por instancia del maestro. Con su partida deja el hueco profundo de una vida llena de memorias.  Tengo su recuerdo vívido cantando y componiendo letras de canciones para teatro en un dos por tres ante el asombro de los presentes. Solo hacía algunas preguntas concretas para determinar el tiempo, características e incluso el tono y tempo de su composición.  Me parece que nunca he visto a nadie crear una canción en tan solo un par de minutos y lanzarla al aire, con rima incluida.  Mi nombre es cacofónico: Pepe Pérez, pero así me llamo, ¿qué puedo hacer?–solía decir-.  Descanse en paz el maestro, amigo y mentor.

We janilisa júwili ni che nochasa echi yoa bineriame Pepe.  Riweame yó a nije maye we jaleli arte we be machili echi jiti nochía pee towí ka nawalí je naí Chihuahua binesía, japi alí ke bineri ko pe owiya bineli a bilecho bineriami ya’a riweami Sergio Franco. Japí na bineriami iwiroli ruyea oserí chu rika niili álí niwali wika namuti mapu rika sipucha bineli suwaba we semati miíma.       Bile (sabio) gará machíami erudito. Niíle we a la machili chu rika niili echi nochalí a la machili chu yerí niíli suwaba, a li bile nochami nuleli newanila jite we bayóami niima echi binoí a lí pe ke jaleli echi jorecho valamali ko, pe a niyurili bile premio nacional. Autor: Ricardo Santos Najo echí José Pérez pe ke echí bi machili niwaya. Abi yenacho wika namuti mapa lika chini sawaba colores we bayóame machili ayenacho awiya teatro, a lí yókitame aneliame abiyenacho niyurali bile premio nacional ami na teatro oseríhuarachi aneliachí pe amina we eyenami nili echi rejoi we kaniili ínea awiami a binoi ko we jaleli jití jití we kaniili cho echo ná nochía pe chona jonasa ma ke che sine riwaki echi bineriami ali a la inesa Quinta Gameros, keni cho bichiwa chu rika wilili echi ipoli pe chavee mapu alíe chi bineriame Pérez ke cho nawachi echono nachasia, wika niili ralamuli we niwami japu nikurilí mapu a lí nawalí echí Pérez. Ma ku simili echi bineriami a beni we ni ómona iyena nije we be ni niwe echí bineríami a wika namutí riwesa a li binerisa ku natajelí a binoí nataka a wikaraa. A lí we jaleli wika ralamuli abigenacho naralí chu rika bineli echi rika wikaroa a bela we simati wikaraa. Ke riwe cacofónico Pepé Pérez echi rika ni riwe nije chu che isima ole echirika  ju nije riwala je ani echi wikaraami pe ku isabí kiri bineriami, amígohua, a li nikurami.

Diez años y contando

      Con un creciente gusto por la narración de historias desarrollado desde los primeros ambientes escolares, Iván Elier incursionó en lo que más adelante se convertiría en su profesión: la narración oral. Y es con este arte sobre la escena, que presentó en días recientes “Diez años y contando”, un espectáculo con el que celebró en compañía de la audiencia su primera década en el arte de contar historias.

Originario de Torreón, Coahuila, se mudo a esta ciudad persiguiendo su sueño de ser actor. Fue como egresado de una carrera en teatro que retomaría su búsqueda sobre el papel que deseaba desempeñar en la escena, pues es un artista ampliamente conocido por sus múltiples trabajos como escenógrafo, que lo mismo interpreta que produce. “Vivo para el escenario, pero si me preguntan cuál es el lenguaje que más me gusta usar es el de la narrativa oral, definitivamente”.  

Sobre las diferencias entre actores y cuenta cuentos señala como cosa común que en el norte de México sean vistos como un mismo oficio y que, aunque ambas profesiones comunican utilizan un lenguaje y herramientas distintas, pues mientras un actor utiliza a un personaje, el narrador lo hace desde su propia persona.

Siempre accesible y modesto, Elier también comparte sus conocimientos en talleres pues considera que cualquier persona con un interés genuino puede formarse para narrar. “Lo hacemos a diario… en la conversación está la narración escénica… la palabra cautivar, en mi búsqueda personal, está presente”.  Iván ha sido premiado en certámenes dentro y fuera del país y cuenta con una página electrónica en la que es posible hacer contrataciones y ver una muestra de sus trabajos: imaginemosjuntos.com

imaginemosjuntos.com

Strongylus, compañía clown

Inmerso desde casa en las manifestaciones culturales Javier López Ríos se matriculó en la carrera de arquitectura en la universidad de Guanajuato, en donde la riqueza y variedad artística de la ciudad pronto lo llevarían a ingresar al laboratorio de pantomima universitario, dirigido por Juan José Prado.

Presentación de la compañía Strongylus

Interesado en realizar su servicio social, ofreció sus habilidades para diseñar maquillaje y escenografías, el tomaría parte en los ejercicios y entrenamiento de cada una de las sesiones, siempre y cuando no fuese requerido “estar” sobre un escenario. “Empecé a tomar las clases y conforme fue avanzando el semestre, me fue gustando... ya había visto mimos… se me hizo muy padre pensar ahora como pensaban ellos “.

Así, con el creciente interés en esta disciplina, solicitó ser incluido en la presentación de fin de curso, que se realizaría en el Teatro Principal de Guanajuato. Pero Javier aún cuestionaba la efectividad de las rutinas que presentarían y grande fue su sorpresa al escuchar carcajadas de la audiencia durante el evento. Ese momento, ante un teatro lleno y la interacción con la gente “fue ´el pum’, me enamoré totalmente… y ya no lo pude dejar”. 

Javier López Ríos

Es cosa común que los jóvenes que han decidido seguir una carrera artística enfrenten oposición por parte de sus familias y este caso no fue la excepción, pero Javier decidió llevar su decisión hasta las últimas consecuencias; complementó las clases de pantomima con danza contemporánea para luego ingresar a Estudio Búsqueda de Pantomima-Teatro AC, en donde se daría su encuentro con el arte del clown, su nueva vocación.

En función

Luego de la desaparición de Espiral y Animania quienes realizaron presentaciones de payaso y pantomima en Chihuahua, a su regreso a esta misma ciudad en 2005 López Ríos forma la compañía de clown Strongylus, que busca ofrecer alternativas para todo público con presentaciones en países varios en donde brindan “la imagen de una caricatura en movimiento”. Esta compañía cuenta con varios espectáculos como el de ‘clown de hospital’, uno de sus más recientes proyectos en Cuauhtémoc y la creación del primer festival especializado en payasos en el país, que este año llegó a su quinta emisión.

Miss Saigon

Ambientada en los últimos días de la ocupación norteamericana en Vietnam durante los años 70´s, esta obra de teatro musical ha sido uno de los éxitos más destacados de Broadway durante las últimas décadas.  La trama está basada en la ópera Madame Butterfly de Giacomo Puccini, ambas relatan un trágico romance entre una mujer asiática y un estadounidense, pero el contexto histórico del Japón previo a la Primera Guerra Mundial se traslada a Vietnam, y los protagonistas pasan de una geisha a una chica en un bar y de un oficial marino a un sargento militar.

Es cosa común basarse en historias preconcebidas al haber cierta seguridad en el uso de anécdotas antiguas para crear versiones modernizadas de los clásicos.  Sin embargo, Puccini no es el creador del relato original pues basó su trabajo en “Madame Butterfly: Una tragedia de Japón”, de David Belasco, obra que concede crédito al cuento de John Luther Long y este último basado en la novela francesa de 1887 “Madame Chrysanthème” de Pierre Loti.

A pesar de que la historia ha sido no solo adaptada sino re imaginada a través de varias versiones en más de una lengua existen quienes catalogan a “Miss Saigon” como una perpetración narrativa en donde una chica asiática es rescatada por un norteamericano: “Si el show intentaba contar la historia de los vietnamitas, no nos reconocimos ni a nosotros ni a nuestros padres en ninguna de las caras que estábamos viendo en escena – comenta Diep Tran -, [En el lobby] Estaban vendiendo una camiseta de béisbol con Ho Chi Minh y la bandera comunista, los mismos símbolos de los que mi familia huyó”. Incluso el escritor Viet Thanh Nguyen, ganador del premio Pulitzer declaró sentirse “asombrado de que la gente alrededor mío llorara durante la función… Pensé que era terrible…encaja perfectamente en la forma en que los estadounidenses y los europeos han imaginado la guerra de Vietnam como una fantasía racial y sexual que niega la importancia política de la guerra y la subjetividad vietnamita ".

Un montaje neoyorkino utilizó fotografías tomadas por veteranos en servicio en Vietnam a la vez que utilizó la puesta para lanzar una crítica severa al presidente en turno. Pero la historia sigue delimitando las expectativas de una audiencia cada vez más informada sobre la veracidad de los hechos. Concebida y dirigida por personas anglosajonas y contando a menudo con un elenco multi racial, la obra sigue dando mucho material para hablar sobre la denominada supremacía blanca.

 

Apapacho: un abrazo para el alma

Con suma frecuencia los adultos se debaten sobre llevar o no a sus hijos pequeños a ciertos lugares pues la leyenda “no niños” pareciera extenderse más de lo imaginado en propaganda e invitaciones. Para quienes se encuentren en este dilema la recomendación es “Apapacho”, teatro para bebés de 3 a 36 meses de edad.

Creado por Nataly Proo bajo Proyecto Nía, una extensión de la compañía Lunajero teatro, la idea se centra en juegos pre simbólicos, es -como ella misma lo describe - “una experiencia lúdica que parte de la interacción [de actores y padres] con los bebés”. La idea surgió mientras desarrollaban “Arewa”, obra presentada en diversos municipios del estado que los llevó a reflexionar sobre el proceso creativo, que no termina con la presentación una función, sino que nutre audiencia y creadores. ¿Por qué sentar a los niños en una silla cuando pueden vivir la experiencia escénica?, ¿existe un teatro infantil acorde a los diferentes rangos de edad?  De estas y otras interrogantes nacería la investigación que da vida a este proyecto.

            “Los niños no son público, son parte de la escena… interactuar…y jugar con ellos, por que aprenden jugando” comenta una de las asistentes al evento del que forman parte Fernanda Alatorre, Erick Hernández, Diana Bravo, Luvia Chávez y Raúl Medina. “Apapacho” tendrá una nueva temporada durante los domingos del mes de diciembre en teatro bárbaro. Las recomendaciones a los familiares que asistan con sus bebés son vestir ropa cómoda, y permitir a los niños tocar los objetos o acercarse a los actores si así lo desean e incluso emitir sonidos. 

       “Nada se compara con la experiencia de verlos sonreír” comenta la directora de este espectáculo diseñado para los más pequeños, en donde alimentos, biberones y otros artículos para bebés son permitidos.

decircomaromayteatro.blogspot.com

Festival Strongylus

La quinta edición del festival Strongylus ha anunciado su programación que este año se suma al festival internacional de la ciudad de Chihuahua, FICUU. Sus inicios se remontan al año 2011 cuando Javier López y Carmen Chávez, dos de los integrantes de la compañía de payasos Stongylus enamorados del arte clown deciden realizar bajo el mismo nombre, lo que sería el primer festival especializado en payasos en el país.

La idea surgió luego de su participación en varias muestras de teatro, pues los espectáculos de clown presentados obedecían a una normatividad distinta a las obras de teatro. “Tenemos que hacer un festival de puros payasos donde [como payaso] no seas la excepción, sino la regla… Todos son payasos y entonces todo se ve bajo otra óptica, y el público va a ver esta opción y le va a gustar”. Y así ha sucedido. Sería hasta este año cuando José Sandoval ganase el premio a mejor actor, por su participación en “Pelones y pelucas”, espectáculo presentado por Strongyus en la muestra estatal de teatro 2017.

Javier define las presentaciones de clown como “divertidas y ágiles”, en donde hay un trabajo intelectual, aunque el público no es quien lo analiza de lleno sino quien lo disfruta. Ediciones anteriores de este festival han contado con varios foros como teatro de cámara y teatro de la ciudad, auditorio municipal y museo casa chihuahua donde además de las presentaciones han realizado talleres gratuitos y master class. Este año el repertorio incluye: "Vuelo AK-713", el 10 de octubre; “Los lunáticos”, “Fuga en la zona roja” y “El último parisino”, el 11 de octubre; “Petite varieté” y “Soloni”, el 12 de octubre, además del taller “improvisación para clown y teatro de calle” 10 al 12 de octubre.

Los boletos para todas las funciones son gratuitos y puede obtenerse en el teatro de la ciudad. La cartelera con horarios y sedes puede consultarse en la página de redes sociales de esta compañía.

decircomaromayteatro.blogspot

La que hubiera amado tanto

Guty Cárdenas

Con un título que evoca de manera ineludible al trovador yucateco Guty Cárdenas y su conocido tema “Ella”, el dramaturgo mexicano Alejandro Licona nombraría uno de trabajos publicado en 1999 por la Universidad Veracruzana.

Es una obra en un acto que de una manera fresca y en apariencia ligera aborda  

Eduardo Alcalá, en el papel de Odilón

una temática universal que gira en torno a la aceptación y el rechazo, además de presentar un producto de fantasía del que no solo los personajes, sino también la audiencia estará a la expectativa de su buen funcionamiento.  No será esta la única vez en que el autor haga referencia a la apariencia física en alguno de sus textos salpicados de un humor atractivo desde el título: “La suerte de la fea”, “Abuelita de Batman” y “La dama fantasma”, por mencionar algunos.

Durante la década de los 80´s., Licona estuvo a cargo del taller de comedia del Centro de estudios actorales (CEA) de Televisa, emisora en donde tendría una de sus participaciones como guionista más recordadas en el programa televisivo protagonizado por Héctor Suárez “¿Qué nos pasa?”. Años más tarde, en 1991, recibiría un homenaje a su labor dramática con la institución del Festival del Sketch que lleva su nombre en Ciudad Nezahualcóyotl.

Odilón y Andrea (Alcalá e Inet Simental)

Dos años después de su publicación, “La que hubiera amado tanto” sería premiada en Chihuahua durante una muestra de teatro.  El soliloquio que realice Odilón, uno de los protagonistas, frente al espejo inicia así: “Feo, feo no estoy. Platicar puedo. Dinero… pues ni me sobra, ni me falta. Viejo, viejo… Arsenio es de mi edad. Campos no se diga, me lleva como siete años. Más adelante será el mismo personaje quien encarne la soledad como otro elemento característico en esta obra: “Es la elección. La soledad se disfruta, no se padece…” dirá mientras alza su copa de vino para brindar.

El clarín de la noche

     “¿Qué pasó con la revolución?… ¿por qué quieren poner maquilas donde estaban los surcos?” con estas y otras preguntas José Juárez, el protagonista de El clarín de la noche, realiza    planteamientos sobre la situación sociopolítica del México actual.

     Se trata de un texto escrito y dirigido por Manuel Talavera Trejo, quien junto con Enrique Minjares y Hugo Salcedo formaría parte del colectivo de dramaturgos Teatro del Norte. La historia presenta a Pedro, un campesino que ante el asombro de todos y de la persuasión de sus hijas se niega a vender sus tierras: “…de aquí no me muevo. No me muevo, aunque se acabe el mundo”. A diferencia de este personaje, sus contiguos aceptan una oferta que los obliga a salir de su lugar de origen para fusionarse a la gran urbe que se extiende hasta alcanzarlos y consumir todo a su paso: “La ciudad está creciendo mucho, estamos tan cerquitas”, será la reflexión que realice en voz alta Paz, esposa de Pedro.

      Estrenada en la ciudad de Toluca durante la Jornada Teatral Internacional en el año 2000, la obra contó con música original de Gustavo Flores y la siguiente descripción en el programa: ´Azorado por el crecimiento de las ciudades, piadoso ante Pedro que defiende su parcela de aquellos que todo lo compran, se presenta José Juárez como el hijo de Juan sin miedo “…y padre de todos ustedes hijos de todas las %&#$/%#%".  En su impotencia José Juárez solo pide una cosa: que su nombre no se olvide´.

Ernesto Medina: Un creador con permanencia

   “El teatro me eligió a mí”, con estas palabras Ernesto Medina, uno de los creadores con mayor permanencia en el teatro local, apertura una conversación en la narra sus experiencias en torno al quehacer de la escena.  

Ernesto Medina.
Fotografía: Arturo Torrija

   Atraído por el teatro de la década de los 80´s, incursionaría como actor bajo la dirección de David Hernández y posteriormente de Fernando Saavedra. Sería luego de la participación en un montaje de este último que recibiría una beca para cursar talleres de teatro en el antiguo departamento – hoy facultad- de artes de la Uach; de ahí seguirán una serie de experiencias en obras como “La danza de la muerte” a cargo de Enrique Hernández Soto en el Centro cultural del bosque, al que acudiría como espectador el maestro Solé quien estuviera “muy agradecido por lo que vió del montaje”.  

     Durante esa época surge la Asociación de Teatristas Unidos de Chihuahua (ATUCH), organizadores de las primeras muestras estatales y regionales de teatro en la ciudad y cuyos proyectos se presentaban mensualmente durante un fin de semana, en el recién inaugurado Teatro de los héroes, recinto al que accedían de manera gratuita.  Ya el maestro Pedro Laguna sería quien señalase la función de contar con un espacio escénico: la apertura hacia grupos locales. Ante estas memorias Medina comenta: “Ojalá llegaran de nuevo esos tiempos”.  

         Luego de diez años como actor era “inminente la necesidad de dirigir” sus propios proyectos. “La boda de la mujer maravilla”, sería su debut con una temporada larga; después vendrían más montajes, entre ellos uno seleccionado para representar al estado en la muestra nacional de teatro infantil. “Me siento en deuda, sé que tengo que estarme preparando en muchas áreas”, menciona Ernesto Medina, becario de la coordinación nacional de teatro en el área de producción y quien ahora dirige “Novia de trapo”, que tendrá funciones del 20 al 23 de Julio en Teatro Bárbaro. Informes al: 614.175.75.46