Teatro y verso

Pedro Calderón de la Barca, Felix Lope de Vega, Tirso de Mollina, William Shakespeare son algunos de los autores que pueden saltarnos a la mente cuando pensamos en el teatro en verso. Ellos forman parte de los máximos exponentes en el ramo y sus obras continúan representándose.

¿Qué es lo que resulta atrayente de este tipo de teatro? Mientras el octosílabo y endecasílabo, son los versos utilizados con mayor frecuencia en el teatro español es el verso alejandrino, de catorce sílabas, el favorito en el teatro francés. Esto nos da una idea de la tarea laboriosa que es el identificar las pautas métricas en que se basan autor y actores para contarnos una historia  - amén de  las variaciones reglamentarias de cada idioma -  pero de alguna manera la construcción del texto en verso con su ritmo y melodía propios, logra atraparnos en algún momento, ofreciéndonos la oportunidad de examinar el mundo contemporáneo a través de los ojos de los personajes y su época. Nos percatamos de similitudes entre pueblos; observamos que aunque hay cosas pueden cambiar, también habrá ideas, emociones, tradiciones y formas de ver el mundo que persisten a través del tiempo.

Presenciar este tipo de teatro podría resultar un poco abrumador de inicio, pero la fuerza contenida en el verso es tal que ofrece una estética única. Un texto  melódico interpretado de manera adecuada produce deleite. Es muy deseable el interés genuino de actores de cine y teatro por la práctica del teatro en verso que resulta sobremanera provechoso tanto para el ejercicio de su profesión como para la audiencia que presencia su trabajo. Como ha opinado Oscar Ulises Cancino, el estudio del teatro del siglo de oro español en las escuelas del país es necesidad urgente, su implementación enlaza a los estudiantes con las raíces de la propia cultura.

Aunque realizado en menor frecuencia existe también teatro contemporáneo escrito en verso. Su aguda escasez deriva en llamamientos imperiosos como el del dramaturgo británico Glyn Maxwell: “Haz algo de teatro en verso, alguien hágalo antes de que me vuelva complacidamente loco, solo en este campo."

Arte

"Arte". trad. Christopher Hampton

Una de las grandes gracias del arte radica en la presentación de perspectivas sobre una realidad determinada. Prueba fehaciente de ello son las artes escénicas, cuando el argumento planteado por el autor hace lugar común con el de la audiencia el texto resulta en una mayor acogida, es la resonancia que dispone a la reflexión del tema en cuestión. Tal es el caso de “Arte”, la obra de teatro con autor aún vivo, más representada a nivel mundial. 

 Escrita por Yasmina Reza, el texto presenta la discusión de tres amigos suscitada por la compra de un cuadro vanguardista. Marcos: “Mi amigo Sergio se ha comprado un cuadro. Es una tela de aproximadamente un metro sesenta por un metro veinte, pintada de blanco. El fondo es blanco y si entornamos un poco los ojos, podemos percibir unas finísimas líneas blancas transversales…”  Iván un amigo en común será el tercer personaje en discordia que quedará en medio de ambos, tratando de conciliar sus puntos de vista ya que la compra de Sergio - un lienzo en blanco por un precio exorbitante-, es un completo desperdicio en la opinión de su amigo. Marcos: “Que Sergio se haya comprado ese cuadro me supera…. No consigo entender cómo es posible que Sergio, que es amigo mío, haya podido comprarse ese cuadro. ¡Cinco millones! Tengo que contárselo a Iván…”

"White on White" Kazimir Malevich

Tras su estreno en París en  Octubre de 1994 “Arte” se hizo acreedora al máximo galardón otorgado al teatro francés: el premio Moliere. Posteriormente obtendría también  los premios Laurence Oliver y Tony, las preseas equivalentes para teatro en Inglaterra y Estados Unidos. El éxito de esta obra radica con suma probabilidad en una serie de preguntas sin resolver sobre el arte moderno, además de la sencillez del escenario que exige pocos cambios durante su puesta; también el hecho de que los personajes cuenten con parlamentos generosos de donde los actores que gusten de monólogos pueden servirse a manos llenas. La faceta de Reza como actriz antes de su despegue como dramaturga, ha sido señalada también como un componente importante de la gran popularidad de su escritos. Al respecto, David Ives, en entrevista para la revista American Theatre, comenta: "La verdad es que la mitad de la razón por la que sus obras se hacen es porque los actores quieren hacerlas. Sus obras (refiriéndose a Reza) son pegajosas para los actores... ahí hay grietas superficiales para un artista".

Son los personajes en apariencia simples quienes poco a poco toman dimensiones profundas que plantean interrogantes a cuestiones muy humanas como las relaciones interpersonales. Con todo, el texto es el pretexto para abordar de una manera mordaz las menguadas pautas y el elitismo del arte contemporáneo. ¿Es la modernidad vs el tradicionalismo? La propia Yasmina dirá: "No me corresponde a mi decirlo, pero el teatro es un espejo, un reflejo nítido de la sociedad. Los grandes dramaturgos son moralistas".

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El drama de Bernarda Alba

La casa de Bernarda Alba, dir. Mario Humberto Chávez

Subtitulada “drama de mujeres en los pueblos de España”, la obra de teatro escrita por García Lorca poco antes de su muerte, narra la historia de una mujer que tras la muerte de su marido, impone un riguroso luto a sus cinco hijas. “La casa de Bernarda Alba” sería escrita en Madrid en 1936 e impedida de ser representada por la por la guerra Civil Española. Nueve años más tarde fue estrenada en Buenos Aires. Se trata de una obra en tres actos enmarcada dentro del llamado teatro renovador, del que tanto Federico García Lorca como su contemporáneo  Rafael Valle Inclán destacan como exponentes. Los críticos han agrupado esta obra junto con “Yerma” (1934) y “Bodas de sangre” (1933) en las tragedias rurales o trilogía lorquiana.

Ha sido representa en incontables ocasiones; adaptada a televisión; convertida en guión cinematográfico; inspirado la creación de un espectáculo de ballet y un musical e incluso considerada para representación por Bertol Bretch. Tal como se detalla en “Crónicas de Brecht”, la publicación  neoyorkina de Klaus Wölke refiere el intento de Bretch por incluir una obra de Lorca, en el repertorio del Berliner Ensemble, hacia el año 1949. Al respecto Issac Rubio comentará que “conociendo la teoría y la practica teatrales de Bretch cabe dudar de que la elección pudiera recaer sobre cualquiera de las piezas anteriores a La casa de Bernarda Alba”

Será el mismo Lorca quien hablaría con el escritor chileno Carlos Morla Lynch sobre su última obra: “En la casa vecina y colindante a la nuestra vivía ´doña Bernarda´ una viuda de muchos años que ejercía una inexorable y tiránica vigilancia sobre sus hijas solteras. Prisionera privada de todo albedrío jamás  hable con ellas, pero las veía pasar como sombras, siempre silenciosas y siempre vestidas de negro… había en el confín del patio un pozo medianero, sin agua, y a el descendía para espiar a esa familia extraña cuyas actitudes  enigmáticas me intrigaban. Y pude observarla… Y así nació la casa de Bernarda Alba, en que las secuestradas son andaluzas…”.

Puesta en  la Quinta Gameros, UACH

Al parecer la familia Alba se sintió bastante incomoda de que parte de sus experiencias fueran recogidas en una obra y no fué sino hasta 1996 cuando el poblado que Lorca describiese como fuente de inspiración para el afamado texto, viera por vez primera la puesta en escena.  Dos años más tarde las viejas rencillas familiares terminaron para dar paso a la casa museo Federico García Lorca, en Valderrubio, - hoy Granada -. Podría decirse que gran parte del éxito de la acogida de este texto radica en el  intento evidente del autor por lograr un teatro más realista, por lo que en el año ´35 expresase en una entrevista que: “Cada teatro seguirá siendo teatro andando al ritmo de la época, recogiendo las emociones, los dolores, las luchas, los dramas de esa época…” 

Rita, la mujer que cayó del cielo

1983 fue el año de ingreso de una mujer mexicana a un hospital psiquiátrico de la ciudad de Larnen, Kansas. Se  trataba de una persona de origen tarahumara a quien la ignorancia de su lengua y cultura por parte de las autoridades locales mantuvo en este recinto público por más de una década. Años más tarde, la estrujante historia que circuló en los diarios dio pie a la recreación de los hechos en escenarios de todo el mundo con actores de la talla de Víctor Carpinteiro, Roberto Sosa y Luisa Huertas.

La obra autoría del chihuahuense Víctor Hugo Rascón Banda fue estrenada en 1999 y representada por la compañía nacional de teatro de Costa Rica, cuya directora del montaje, Maria Bonilla definió al dramaturgo como “Un escritor prolífico y complejo que, desde sus primeros escritos, mira la identidad y la pertenencia desde la herida abierta de la injusticia… ocupándose de sangrientos problemas sociales del México contemporáneo, en la mayoría de los casos, elaborando historias reales”.

Luisa Huertas interpretando a Rita

Cargada de un hecho pleno  de intensidad dramática, la obra narra en treinta y ocho escenas subtituladas la forma en que Rita, la mujer tarahumara que sin saberlo llegase a los Estados Unidos, es procesada e internada en un sanatorio mental, bajo el supuesto de haber perdido la razón y hablar un lengua inexistente;  los momentos de maltrato que vive,  el aislamiento físico y la medicación a los que es sometida hasta que un visitante la descubre, e identificándola como parte de un grupo étnico revela su origen.  En varias ocasiones Rita habría sido cuestionada sobre su lugar de origen, pero su escaso conocimiento de español  dificulta la comunicación con sus oyentes, creando confusión con su respuesta de “cielo” o “arriba”, para referirse a las montañas de la sierra de donde provenía.

George Woodyard de la Universidad de Kansas subraya los efectos emocionales de esta pieza que crea “un profundo sentido de lo que significa ser el otro, el desamparado, en un ambiente sin suficiente contacto personal a nivel humano”. “La mujer que cayó del cielo” podría incomodar al espectador, no sólo por el tema sino por el desconocimiento de alguno de los tres lenguajes en que fue escrita,  pero es el mismo Rascón Banda quien señala la intención de esta mezcla de castellano, inglés y rarámuri: “hacer sentir al público el conflicto y tortura por la incomunicación”.

Mucho se ha discutido sobre la desigualdad o aislamiento en algunos personajes femeninos como un tema recurrente en las obras del fallecido escritor. Sus familiares han declarado que será este año cuando se realice la creación de la biblioteca digital Víctor Hugo Rascón Banda, con el objetivo de difundir sus obras entre las nuevas generaciones. Esperamos que sea posible la reapertura del archivo de  resguardo con documentos del autor en la biblioteca del Centro nacional de las artes, en un tiempo razonable. 

Jaques Copeu

Una figura importante en el drama de las primeras décadas del siglo 20 es el teórico, director, actor y dramaturgo Jacques Copeau. Considerado como uno de los padres del teatro francés del siglo XX, fundó lo que se convertiría en uno de los teatros más importantes hasta nuestros días: El Vieux Colombier. Para este teatro Copeau había diseñado un espacio con un escenario fijo, donde la puesta en escena contaba solo con cortinas e iluminación, además de un proscenio que permitía la cercanía con la audiencia. Contrario a la usanza de la época, este era un teatro libre de maquinarias, funcional y versátil, pero sin ser recargado. Al parecer buscaba un teatro de simple concepción, armonioso e inspirado tanto en los teatros isabelinos como en las experiencias y correspondencia con Gordon Craig, Adolphe Appia y Constantino Stanislavski.

La relevancia de este teatro fue mucho más allá de su diseño estructura. Igual de novedoso resultó el encargarse de formar un conjunto de actores organizados y entrenados. El objetivo de Copeau, en parte, era la armonía del trabajo en grupo, con lo que pondría en práctica sus teorías sobre la reforma de la práctica del teatro. Para lograr esta tarea, Copeau creyó que actor, dramaturgo, actor, director e incluso el espacio teatral requieren de trabajo en conjunto para así, como parte de una unidad, capturar la integridad intelectual del drama.

El uso de una máscara neutral en el entrenamiento actoral, - al menos en el mundo occidental -, se debe también a Copeau, quien las introdujo dentro del proceso de formación y entrenamiento en su compañía, con el interés de despertar la imaginación de los actores y de dirigir la atención hacia la narración de una historia. Aunque inició ocultando rostros con capuchones y telas, pronto se movió a una máscara neutra primitiva que más tarde derivaría en máscaras con su distintivo.

Las enseñanzas de Copeau a través de sus estudiantes y miembros de la compañía han llegado a influir en el teatro en todo el mundo.  En ello se incluyen: Michael Saint-Denis, Antonin Artaud, Jerzy Grotowski, Marcel Marceaux; además de algunos de los principales programas de teatro como el de la escuela de teatro de Londres, la división del drama de Julliard, Yale, la escuela Jacques Lecoq en Paris y la escuela  nacional de teatro de Canadá. Su legado continúa permeando todos los niveles del teatro actual.

“Artivismo”

Mujeres de arena, de H. Robles. Dirección: JL Acosta

A lo largo de la historia, las expresiones artísticas han estado vinculadas con la creación de conciencia. Esta permanencia del arte como forma de denuncia y sensibilización resuena cada vez más en creaciones contemporáneas que señalan problemáticas sociales; de ahí surge la contracción gramatical que sintetiza arte y

Humberto Robles y Ofelia Medina

activismo social en un solo vocablo: artivismo.  Ejemplo de ello es Mujeres de arena, una obra de teatro documental de Humberto Robles, que con textos de Marisela Ortiz, Denise Dresser, Malú García Andrade, María Hope, Eugenia Muñoz, Antonio Cerezo Contreras y Juan Ríos Cantú, destina las ganancias por concepto de derecho de autor a Nuestras Hijas de Regreso a Casa, una organización civil formada por familiares y amigos de las víctimas en ciudad Juárez que al igual que la obra, denuncia los feminicidios perpetrados en esta frontera norte.

            Estrenada en el zócalo de la ciudad de México en el 2002 con las actuaciones de Vanessa Bauche, Carmen Huete, Laura De Ita, Laura Hidalgo, Hilda Nájera y Juan Ríos, la obra ha sido interpretada por Ofelia Medina en una lectura en atril, traducida a varios idiomas y reproducida en radio y  espacios alternativos durante conmemoraciones del día internacional de la mujer y del día Internacional contra la Violencia de género.

El tendedero. Foto: Valeria Marrot

            Otra conjunción de arte y activismo es el trabajo de Mónica Mayer con su actual exposición retro colectiva curada por Karen Cordero Reiman: Si tiene dudas, pregunte. Ahí, Mayer retoma la presentación de El tendedero una de sus piezas que inaugurada en 1978, regresa al Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC). Integrado por respuestas escritas por mujeres en papeletas rosas quienes son cuestionadas sobre sus propias experiencias de acoso y sus propuestas para erradicarlo, las respuestas son colgadas en el museo, además de desplegadas en medio electrónicos. A poco más de un mes de finalizar la exposición, las papeletas en el tendedero siguen en aumento. 

El tendedero. Mónica Mayer

Tenemos aproximadamente 7,500 respuestas, menciona Mayer, …me da mucho gusto el éxito de la pieza, que rebasó por mucho mis expectativas. La exhibición comenta y contextualiza obra, documentos y diálogos de la artista con público y otros interlocutores; cuenta además con proyectos paralelos como El apapacho artístico y el Editatón Wikipedia de mujeres artistas mexicanas. Cada vez que hago una versión de ´El Tendedero´ confirmo que 80% de una pieza es su contexto y el resto lo que proponemos desde el arte….  Considerada como una de las precursoras del performance en México,  Mónica comenta que algunas de sus piezas son colaborativas y efímeras, por lo que se reactivan con cada nueva presentación. Quiero que  el arte sirve de algo más que para tapar hoyos en la pared. Así que cuando tengo dudas en la vida hago performance.

      La relevancia de ambos proyectos es el la conjunción de voces –creadores, audiencia, especialistas – que dialogan con visión hacia la oportunidad de construir como sociedad un futuro y un presente con sentido humano. Es el arte hablando sobre problemáticas existentes que deseamos erradicar. 

Mujeres de arena Dir. José Luis Acosta

El silencio de Los perros

Publicada en 1965 en la Revista de la Universidad de México y reimpresa más tarde en una colección de obras en un acto de Wilberto Cantón, Los perros es una de las piezas teatrales de la escritora mexicana Elena Garro, en las que denuncia la violencia hacia las mujeres y la marginalización del México rural. La temática de sus escritos pone en claro su compromiso social: retrató la realidad de la mujer y de un México abandonado, en un tiempo en que pocos lo hacían. Emanuel Carballo comentará de Garro que ella mira con ojos diferentes, pero muy abiertos a los males sociales.

Desarrollada en el interior de una choza en un pueblo de México, la historia presenta a dos mujeres - madre e hija -, que aunque con diferentes empeños, se preparan para la fiesta del pueblo. Mientras Manuela, la madre, dirige sus esfuerzos en terminar “la venta” para el festejo, su hija Úrsula obedece la  orden de arreglar el vestido prestado que lucirá. Aprovechando la salida de Manuela, Javier entrará para decir a su prima que Jerónimo irá a robársela esa misma noche. La injusticia y la impotencia quedan de manifiesto ante el anuncio del secuestro de una infanta aleccionada para no luchar con su oponente. Úrsula: Entonces, ¿qué? Si me agarran me quedo calladita. ¿No digo nada? Javier: Nada.  

La figura de los perros adquiere una fuerte connotación como doble imagen: primero el de la compañía única y defensa de las mujeres del plano presente y pasado inmediato de la historia; después representando a los acechadores. Ellas intentarán guardar silencio bajo la esperanza de que sean los ladridos de sus mascotas quienes ahuyentes a los perros sigilosos que las vigilan: Manuela: ´La suerte no se hereda si no se nombra´, dijo mi mamá. Garro escribe sus denuncias en un lenguaje cargado de simbolismo, por el que la revista Latin American Theatre Review señala: La extraordinaria habilidad de la dramaturga para sugerir con un mínimo de palabras toda una serie de imágenes alusivas.

        Sumidas en la miseria  y el abandono madre e hija estarán condenadas a repetir la misma historia de secuestro, maltrato y abandono. Úrsula: ¿Para qué me quiere Jerónimo? Manuela: ¡Para nada! ¡Mala suerte tendrías! ¡Más arrastrada que la mía! Nunca te lo dije para que no te dibujaras en lo que yo fui. Pero ahora te lo digo. La inhabilidad de la autoridad representada en la figura de la Acordada se mostrará incapaz de establecer justicia para ellas. El silencio es un componente que se ramifica en este texto. No es uno solo, sino una serie de silencios los que se hacen presentes. Son silencios que cuestionan, que calan y permean. En palabras del New York Times, el trabajo de Elena son …historias exploran la violenta confrontación entre la ilusión y la realidad en Latinoamérica, haciéndola una de las más importantes figuras literarias en México. Designada como la precursora del realismo mágico, sus escritos seguirán siendo materia de estudio y de deleite.